Il existe de nombreuses façons d’arriver là où vous voulez en matière de lumière. Chacun travaille à sa manière et une méthode n’est ni plus ni moins bonne qu’une autre. Pour moi, j'ai besoin d'un moyen qui me permette de suivre et de décomposer logiquement le processus. Pour cette raison, je trouve que les ratios d’éclairage sont un excellent moyen de travailler avec la lumière.
Imaginez que vous puissiez voir un superbe BTS d'une séance photo et que vous décidiez de l'essayer par vous-même. Vous obtenez les positions de la lumière, la marque, le modèle et les modificateurs. Vous pouvez même voir les angles et les distances. Malheureusement, si vous vouliez vraiment le recréer, il vous manquerait encore une pièce importante du puzzle : la puissance relative des lumières. Sans savoir comment la puissance relative des lumières est liée les unes aux autres, vous ne parviendrez jamais à comprendre ce que vous essayez de recréer. C'est comme essayer de faire un gâteau, et on vous dit que la recette comprend des œufs, du lait, de la farine et du sucre – mais vous devez deviner quelle quantité utiliser. En effet, un certain nombre de variables peuvent affecter l'exposition. La sauce secrète de la recette réside dans les ratios, à la fois pour apprendre à les lire et à les décoder.
Les ratios visent à établir les différences entre la lumière et l’ombre. Cela donne une logique au processus. C'est une façon de créer un marqueur visuel dans l'éclairage afin que nous puissions nous donner un bon point de départ lors de la création ou de la manipulation de la lumière (ou de la décomposition de l'éclairage). Les rapports d’éclairage permettent un énorme contrôle et une grande répétabilité. Ils vous permettent d'obtenir la lumière exacte que vous souhaitez sans même avoir à vérifier une seule fois à l'arrière de votre appareil photo, ce qui rend l'ensemble du processus précis et efficace, sans que les essais et erreurs ne vous ralentissent. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas modifier le résultat une fois que vous le voyez (et vous devriez le faire), mais cela permet d'y arriver beaucoup plus rapidement. Ce n'est qu'en utilisant régulièrement les ratios que vous pourrez voir combien de temps et combien de prises de vue sont perdues à essayer d'obtenir la lumière souhaitée.
N'oubliez pas que les ratios ne sont pas la seule façon d'apprendre. Certaines personnes préfèrent un mode d'éclairage davantage basé sur la « sensation », augmentant ou diminuant la puissance si nécessaire en fonction de l'apparence de l'image à l'écran. Il n'y a rien de mal à cette technique, cependant elle demande plus de temps et une meilleure compréhension de ses outils. L'utilisation de ratios permet d'obtenir des résultats plus cohérents en moins de temps, mais elle nécessite que le photographe ait une meilleure idée à l'avance de ce qu'il veut.
La première partie examinera ce qu'il faut pour lire et contrôler votre ratio. Nous verrons ensuite à quoi ressemblent les différents ratios et comment les appliquer à votre éclairage. Troisièmement, nous discuterons des moyens de décomposer et de comprendre l'éclairage d'autres photos. Bien sûr, tout ce processus brille vraiment lors de l’utilisation de plusieurs lumières. Si vous envisagez d'en utiliser un - ou un avec un réflecteur - travailler sans ratios peut être un peu plus complexe que nécessaire. Mais pour moi, lorsqu’il s’agit d’utiliser plusieurs lumières, c’est le point de départ dans mon cerveau.
Lumière de mesure
Maintenant, pour que tout cela fonctionne, vous aurez besoin d'un équipement important : un posemètre. Personnellement, j'utilise un Sekonic L-358, mais n'importe quel flashmètre fera l'affaire. Il est important qu'il ne s'agisse pas uniquement d'un photomètre continu. Avec un flashmètre, vous réglerez l'ISO et la vitesse d'obturation et il vous donnera le diaphragme de la lumière à ce point particulier de l'espace. Vous pouvez utiliser cette lecture pour définir l'exposition de votre appareil photo ou pour lire la lumière de la scène. Nous aurons besoin des deux.
Commençons par là : le visage est évidemment plus lumineux que la poitrine. Nous pouvons le confirmer en utilisant un compteur. Le visage mesure f/14 (exposition de l'appareil photo) mais comme nous pouvons le voir, au moment où la lumière atteint les mains, il mesure f/7,1. Cela nous permet de visualiser l’atténuation de la lumière et son comportement.
Remarque : Lorsque vous utilisez un posemètre pour mesurer des lumières individuelles, il peut être utile de mesurer chaque lumière sans interférence avec d'autres lumières. Cela peut impliquer de rétracter la Lumisphère, d'utiliser votre main ou d'éteindre toutes les autres lumières lorsque vous avez besoin d'obtenir une lecture précise à partir d'une seule source dans une configuration multi-lumières.
Contrôler les ratios
Par souci de simplicité, nous allons utiliser une clé et un remplissage pour contrôler le rapport entre les tons clairs et les ombres du visage de notre sujet. Pour la clé, une octabox est utilisée à droite de la caméra, et pour le remplissage, un parapluie extra-large avec diffusion est placé derrière la caméra. C’est la méthode que j’utilise le plus couramment pour contrôler le remplissage d’une image. Cela évite les ombres supplémentaires créées par la lumière d’appoint décentrée. L'exposition de l'appareil photo sera basée sur la puissance de la lumière principale, qui ne changera pas. La puissance/position du remplissage est la seule chose qui sera ajustée. Nous utilisons une exposition de base de f/11, ISO 100, 1/125ème de seconde. Les ratios dépendent de l'écart de puissance entre la clé et le remplissage et vous pouvez commencer à partir de n'importe quel f-stop, mais je trouve que f/11 est un très bon point de départ pour permettre une plage suffisante dans les ombres tout en la rendant assez sombre. si j'en ai besoin.
Matériel d'éclairage utilisé :
2x Profoto D1
Octabox Profoto 3'
Profoto Deep White XL Parapluie avec diffusion
1:1
Lorsque vous effectuez un rapport 1:1, la lumière principale et la lumière d'appoint sont toutes deux mesurées sur la même exposition. Ce rapport particulier ne donne pas beaucoup de forme à la lumière (puisqu'il n'y a pas vraiment beaucoup d'ombre) et il n'est donc pas beaucoup utilisé dans l'éclairage de mon studio car il semble plutôt « plat ».
Remplissage : f/11 ; Clé : f/11 ; Appareil photo : f/11, ISO 100, 1/125ème
-1 Arrêter le remplissage
Ici, la puissance de la lumière d'appoint est réduite d'un cran. Nous pouvons maintenant voir la forme de la lumière principale, mais le remplissage est toujours assez brillant. Techniquement parlant, le remplissage correspond à la moitié de la lumière de la touche. Vous voyez des ratios comme celui-ci couramment utilisés dans le travail de publicité commerciale.
Remplissage : f/8 ; Clé : f/11 ; Appareil photo : f/11, ISO 100, 1/125ème
-2 Arrêter le remplissage
Le remplissage est désormais deux arrêts en dessous de la touche (1/4ème de la lumière de la touche), ce qui donne un rapport clair/foncé plus contrasté sur le visage. Les détails sont encore assez visibles dans l'ombre, mais ce n'est pas encore trop dramatique.
Remplissage : f/5,6 ; Clé : f/11 ; Appareil photo : f/11, ISO 100, 1/125ème
-3 Arrêter le remplissage
Un remplissage situé trois arrêts en dessous de la clé est sur le point de perdre des détails. Les zones d'ombre sont assez sombres, mais restent très ajustables sur notre curseur d'ombre lorsque nous développons l'image. Des coupures peuvent être présentes. Le remplissage a 1/8ème de la lumière de la touche.
Remplissage : f/4 ; Clé : f/11 ; Appareil photo : f/11, ISO 100, 1/125ème
-4 Arrêter le remplissage
Il convient de mentionner que pour obtenir une différence de quatre arrêts entre la clé et le remplissage, vous aurez besoin de beaucoup de puissance de la clé pour commencer. Si vous parvenez au moins à lire f/11, vous devriez en avoir assez, mais à partir de f/4, par exemple, il sera quasiment impossible de vous donner quatre arrêts de moins sur le remplissage. Une différence de quatre arrêts va être globalement TRÈS contrastée avec une potentielle perte d'information (écrêtage) dans les ombres. La lumière d'appoint ici a 1/16ème de la lumière de la clé.
Remplissage : f/2,8 ; Clé : f/11 ; Appareil photo : f/11, ISO 100, 1/125ème
En regardant ces ratios côte à côte, nous avons une meilleure impression de pouvoir visualiser ce que les ratios peuvent représenter avec la façon dont nous pouvons voir et contrôler les ombres. Il convient également de noter que l'ajustement du remplissage peut avoir un impact sur la luminosité de l'arrière-plan (le résultat n'est ni bon ni mauvais et dépend de ce que vous souhaitez que soit la luminosité ou l'obscurité de l'arrière-plan).
Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de décider quel ratio vous utilisez. Les choses changent et ce que vous pouvez commencer sur une photo peut être très différent de ce à quoi elle aboutit. L'idée derrière l'utilisation des ratios est de vous aider à visualiser à quoi ressemble le contraste de vos images (via la différence entre la lumière et l'ombre) pour vous amener plus rapidement là où vous allez. En ce qui concerne mes préférences personnelles lors de prises de vue spectaculaires, je vise une différence de deux à trois valeurs comme point de départ et j'ajuste si nécessaire. En passant, je trouve que cela me donne une énorme flexibilité lors du développement de l'image, car cela sépare généralement la clé et remplit assez proprement les curseurs de haute lumière et d'ombre de votre logiciel brut préféré.
Taux de lecture
Les ratios nécessitent un peu de pratique pour être lus avec précision, donc ce n'est pas grave si vous ne les lisez pas exactement au début - c'est un processus d'apprentissage au cours duquel vous vous améliorerez au fil du temps.
Nous allons sauter l'explication de la dureté et de la douceur de la lumière (qui sont des éléments clés de la lampe de lecture) et supposer que vous l'avez déjà compris. Si ce n'est pas le cas, voici un petit rappel sans trop de profondeur : lumière dure = un bord plus défini pour les ombres ; lumière douce = un bord moins défini pour les ombres. Il existe de nombreuses autres caractéristiques de ces deux composants, mais pour l’instant, c’est par là que nous commençons.
Comment je lirais la lumière : Dans cet exemple, l’éclairage est relativement simple. Nous pouvons voir grâce aux projecteurs qu'il y a une petite source de lumière un peu en hauteur et à droite de la caméra. Cela suggérerait une source de lumière relativement dure, mais pas suffisamment pour créer des ombres nettes. Ceci est renforcé par l'ombre sur le nez. Les ombres elles-mêmes sont très sombres - environ une différence de trois à quatre valeurs par rapport à la tonalité. Il est probable qu'aucun remplissage n'a été utilisé (et les projecteurs le suggèrent également). Sur le côté gauche du visage de l'appareil photo, il y a un léger reflet, pas trop spéculaire, dénotant probablement un reflet blanc quelconque.
Comment il était réellement allumé : La lumière principale était un Profoto B1 avec un réflecteur magnum (principalement dur) avec une chaussette de beauté dessus (pour l'adoucir). Aucun remplissage n'a été utilisé et un mur blanc réfléchissait la lumière sur le côté gauche de la joue.
Comment je lirais la lumière : dans cette image, nous ne recevons aucun indice des projecteurs pour nous aider à procéder à la rétro-ingénierie de la configuration. Nous disposons également d'une image considérablement retouchée qui peut ou non avoir altéré la qualité de la lumière.
Commençons par la clé. C'est joli touche programmable (appareil photo à gauche) avec un peu de punch (car on peut voir une légère spécularité dans les reflets sur le côté gauche du visage) et une atténuation assez rapide (la poitrine est visiblement plus sombre que le visage). Cela pourrait probablement être un plat de beauté ou une petite parabole. Le remplissage est doux et lumineux (environ un arrêt en dessous de la touche). Enfin, il y a un point culminant sur les épaules provenant d’une source douce et aérienne.
Comment il était réellement éclairé : Un Profoto D1, appareil photo à gauche avec un bol de beauté blanc avec une grille. La lumière d’appoint était un autre D1 avec un parapluie Deep White XL avec diffusion. La lampe pour cheveux était un D1 avec une lanterne Profoto de 4 pieds. Une touche percutante/douce, un remplissage vif/doux et une lumière douce pour les cheveux se combinent pour créer ce look.
Comment je lirais la lumière :
Dans ce dernier exemple, les projecteurs sont un peu trompeurs (le projecteur que nous voyons n'est pas la clé, mais uniquement le remplissage). Nous pouvons commencer par dire que la lumière principale est dure (le côté droit du nez de la caméra a un bord net). La direction de cette lumière (basée sur cette ombre) serait du côté gauche de l'appareil photo et un peu en retrait de la position de l'appareil photo (presque sur le côté du sujet), ce qui nous donnerait cette courte lumière de Rembrandt. Les ombres sont détaillées et ne sont pas complètement occultées - environ trois arrêts sous la clé. En l’absence d’ombres visibles provenant du remplissage, nous pouvons conclure que la lumière de remplissage est douce (grande). Il y a aussi deux autres lumières en jeu. L'un est une lumière de bord et de cheveux sur la gauche de la caméra (pas aussi brillante que la clé (peut-être un demi-arrêt de moins) et une lumière de fond sur le mur (probablement une grille). Il y a un autre élément à noter et c'est l'ombre sur le côté gauche du visage. Cela peut être créé avec un drapeau ou tout autre moyen pour bloquer la lumière.
Comment il était réellement éclairé : L'éclairage principal, à gauche de la caméra, était un Profoto D1 avec un petit Spot et un gobo pour créer la bande de lumière sur le visage. Un drapeau créerait également un effet similaire, mais il n’a pas été utilisé ici. La lumière d'appoint était un D1 avec un canevas pour créer un remplissage doux. Une caméra D1 et un bol de beauté à gauche et derrière ont créé la lumière douce du bord. Un dernier D1 avec une grille éclairait l'arrière-plan derrière notre sujet.
Conclure
Les rapports d’éclairage ne sont certainement pas le seul moyen d’apprendre la lumière. Ils constituent un outil dans une boîte à outils sans fond que tout le monde peut utiliser pour peaufiner et affiner votre éclairage. Pour moi, je les trouve comme une excellente ressource pour décomposer systématiquement non seulement la façon dont j'éclaire mon propre travail, mais aussi comme un excellent outil lors de la rétro-ingénierie de photos. J'aime incorporer de nouvelles idées dans les images futures. Espérons que cela ait un peu démystifié les ratios afin que vous puissiez les utiliser dans votre propre éclairage.
Pour voir une description complète et le BTS de la façon dont l'image finale a été prise, consultez mon tutoriel.
