Comment prendre de superbes autoportraits

Comment prendre un autoportrait

Prendre versus créer

En vérité, prendre un autoportrait est aussi simple que possible : vous vous placez quelque part dans le cadre et déclenchez l'obturateur de l'appareil photo, par n'importe quel moyen. Et voilà, c'est fait.

Cependant, créer un autoportrait qui a de la substance, de la profondeur, du contexte et du sens est une toute autre histoire. Puisque vous avez cherché un article sur l'autoportrait, je pars du principe que vous voulez créer une photographie fantastique, dont vous, le photographe, êtes le sujet.

Depuis que les artistes existent, les autoportraits existent. Ils constituent un outil essentiel pour se connecter à son moi créatif et favoriser une plus grande prise de conscience et une meilleure appréciation de ce que c'est que d'être de l'autre côté de l'objectif.

Au cours de ce processus de connexion et de découverte, nous, les photographes, sommes inévitablement obligés d’affronter une certaine mesure de peur, d’inconfort et d’appréhension, tout à fait naturelle et raisonnable, étant donné que nous nous engageons dans un puissant acte de vulnérabilité.

La vulnérabilité est un vecteur d'évolution artistique et un vecteur de développement créatif. Le sujet de la vulnérabilité dépasse largement le cadre de cet article ; il s'agit cependant d'un élément important et nécessaire du parcours de chaque artiste vers ses rêves, ses objectifs et ses aspirations.

La méthode, la technique et l'approche varient considérablement en fonction du type de portrait que vous souhaitez réaliser et des moyens dont vous disposez pour mener à bien cette production. Il suffit de dire cependant que l'ingéniosité et l'inventivité offriront bien plus de possibilités que le seul matériel haut de gamme.

J'écris cet article parce que je crois fermement au pouvoir, à la profondeur et à la nécessité de l'autoportrait pour tous les photographes, en particulier ceux qui photographient des personnes. Pour moi, les autoportraits se sont révélés être un acte d'amour-propre, d'appréciation et de gratitude. Chaque séance m'a permis de me connecter à moi-même et à mon art, à un degré étonnant.

De plus, en acceptant la vulnérabilité et en surmontant la peur et l’anxiété qui y sont associées, j’ai acquis un respect et une admiration plus profonds pour quiconque choisit de passer devant mon objectif.

Ce qui suit est une exploration, certes partiale, de l'autoportrait. À la fin de cet article, si vous tenez jusque-là, j'espère sincèrement que vous vous sentirez non seulement inspiré mais aussi enthousiaste à l'idée de vous lancer dans un incroyable voyage de découverte de soi et de croissance artistique.

Je dois également ajouter une remarque : si tous les autoportraits sont nécessairement une sorte de selfie, tous les selfies ne sont pas, eux-mêmes, des autoportraits. Selon ma définition, du moins. ;)

Pourquoi réaliser des autoportraits

La raison et le raisonnement pour se photographier soi-même

La raison la plus pragmatique et la plus pratique pour créer des autoportraits est la logistique : la facilité d'accès. Parfois, il peut être extrêmement difficile de trouver un sujet, surtout lorsqu'il s'agit d'objectifs non liés au projet, comme l'expérimentation avec des modificateurs d'éclairage, des gels, etc. Chaque fois que vous souhaitez créer, pratiquer, tester ou quoi que ce soit de ce genre, vous devez être disponible !

À cette fin, l'autoportrait permet de s'entraîner, d'expérimenter, d'échouer et de peaufiner sans avoir à supporter le fardeau d'être observé ou de se sentir redevable de produire l'image finale. C'est un espace créatif où tous les coups sont permis et où tout est permis. C'est le moment de s'enthousiasmer, d'être frustré, de rire, de pleurer ou peut-être de faire une mini-crise de panique.

À un moment donné, vous trébucherez probablement, tomberez, renverserez quelque chose, converserez avec un stroboscope ou jetterez un objet inanimé contre un mur. Je veux dire, je n'ai jamais fait les deux derniers cas, du moins pas au cours des dernières 24 heures, mais chacun son truc. Ce qui se passe pendant les séances d'autoportrait reste dans les séances d'autoportrait. Blague à part, la liberté de jouer de manière créative sans attentes est une véritable panacée pour le développement des compétences.

Mais l'art est bien plus qu'une simple technique. C'est une expression, une individualité, une incarnation de l'artiste. L'une des questions que se posent souvent les photographes, surtout lorsqu'ils commencent à prendre leur métier plus au sérieux et à réfléchir sérieusement à ce qu'ils créent, est de savoir comment développer son esthétique, sa voix visuelle.

Ma réponse à cette question est toujours de consommer, de créer et d’expérimenter. Consommez l’art sous toutes ses formes et prenez note de ce qui vous pousse ou vous inspire, en termes de lumière, de sentiment, de couleurs, de textures, d’environnement, de cadrage, de récit, de connexion, etc. Déconstruisez et reconstruisez. Expérimentez ; imitez, recréez, gardez, jetez, agrégez, échouez, réussissez et, en fin de compte, évoluez.

L'autoportrait est un refuge pour expérimenter et créer. C'est un lieu où l'on peut tester de nouvelles techniques, affiner des approches fondamentales, mettre de côté les frontières, les limites et les limitations au profit de ce qui pourrait être, pourrait être et sera.

Mon studio, ou mon emplacement, pendant ces séances, est un endroit où je peux être audacieuse, honnête et inébranlable dans la poursuite de ma passion ; c'est un creuset et un catalyseur, un espace où il m'est permis de rêver, d'imaginer, de visualiser et d'explorer sans contrainte. Votre espace créatif recèle un potentiel similaire, voire plus important, pour vous.

Bien sûr, il n’en a pas toujours été ainsi. Quand j’ai commencé à m’intéresser plus sérieusement à l’autoportrait, j’étais en proie à la peur et à l’anxiété. Pour moi, me photographier revenait à amplifier tout ce contre quoi je luttais : le dégoût de moi-même, la dysmorphie corporelle, le syndrome de l’imposteur et un sentiment dominant d’inadéquation en tant qu’artiste et photographe.

Confrontation : peur et vulnérabilité

Peur, anxiété, appréhension et vulnérabilité

Sans aucun doute, la plainte, le conflit ou l’inquiétude la plus courante que je rencontre lorsque je discute avec des collègues photographes au sujet des autoportraits est un inconfort intense. Souvent, cet inconfort provient de la peur et de l’anxiété centrées sur la vulnérabilité et l’exposition – le genre de chose qui consiste à être vu, pas le genre de chose qui consiste à prendre des photos avec des histogrammes. Un mauvais jeu de mots, je sais.

Malgré les tentatives d'humour, le malaise est souvent une force d'opposition massive lorsqu'on commence à expérimenter l'autoportrait. En général, pour la plupart, se retrouver devant l'objectif, formellement, est inconfortable.

Ajoutez à cela un manque généralisé d’aisance avec l’éclairage, le cadrage, la garde-robe, la pose, l’émotion, le timing et d’autres éléments, à la fois tangibles et intangibles, et vous obtenez une recette éprouvée pour la détresse.

Sans vouloir minimiser ou sous-estimer les éléments techniques et de production, ces variables sont souvent exagérées au point d'éclipser ce qui tend à se cacher en dessous : la peur et l'anxiété, à la fois à l'idée d'être vu et de se voir soi-même. La vulnérabilité – nous nous retrouvons, mon vieil ami.

À mon humble avis, pour créer un autoportrait méritoire, nous devons – en tant que photographe – incarner un état d’être transparent et sans défense.

Mon parcours a commencé avec beaucoup de prises de vue en face à face et de nombreuses retouches. Au fur et à mesure que je commençais à créer et à partager des autoportraits, avec intention et cohérence, j'ai rapidement pris conscience que je passais plus de temps à traiter et à éditer ces images qu'à mon travail commercial.

En vérité, c’était révélateur, bouleversant et quelque peu déprimant. Apparemment, tout ce que je pouvais voir, c’était l’imperfection : l’âge, les cicatrices, l’asymétrie, le physique, la taille, les proportions, etc. J’avais du mal à me regarder à travers mes propres yeux. Ce fut une prise de conscience profonde et une révélation puissante.

Si je produisais des autoportraits agréables à l'œil et bien accueillis sur les réseaux sociaux et dans les communautés en ligne, je ne créais pas d'autoportraits qui me semblaient significatifs. Je n'étais pas satisfaite de ces images parce que je n'avais pas l'impression qu'elles me représentaient.

J'ai donc décidé de créer des clichés qui me semblaient appropriés. J'ai commencé à me regarder comme je regarderais un client. En substance, j'ai décidé de créer un récit sur mesure pour moi-même en tant qu'homme et artiste. J'ai commandé un portrait de moi à nul autre que moi.

Soudain, les choses ont pris une tournure intéressante et je me suis sentie capable de m'exprimer et submergée par un sentiment presque écrasant de fierté, d'accomplissement et d'inspiration. Grâce à l'autoportrait, j'ai pu me (re)connecter à moi-même. Le fait de ponctuer cette dernière phrase m'a fait dresser les cheveux sur la nuque. Waouh.

Cet article parle de la création d'autoportraits étonnants, mais pas de mon histoire. Cependant, je pense qu'il est nécessaire de partager des fragments de mon parcours car, même si nous suivons tous notre propre chemin, nous avons tendance à partager de nombreuses étapes, sous une forme ou une autre.

Ce que je veux dire, c’est que la peur, l’anxiété, l’appréhension, l’inconfort, la tension, la détresse et la lutte font partie du processus, non seulement des autoportraits, mais aussi de l’art. La situation critique de l’artiste est intimement liée au potentiel et au pouvoir que nous, en tant qu’artistes, exerçons.

J’aimerais pouvoir partager avec vous une formule magique qui, si elle était suivie à la lettre, représenterait un moyen sûr de traverser la tempête. Mais je ne le peux pas. Ce que je peux dire avec certitude, c’est que les inévitables confrontations recèlent d’immenses promesses et un potentiel immense ; que l’inconfort et la tension s’estomperont et seront remplacés par la facilité, l’expansion créative et l’expression infinie.

En fin de compte, toutes choses sont éphémères. Les sentiments, les états d'esprit et d'être, les humeurs passent. Ma méthode, ces derniers temps, consiste à laisser tout ce que je ressens et expérimente m'envahir et me traverser, à respirer. En créant de l'espace dans mes poumons, de l'espace est également créé pour de nouveaux états émotionnels et d'être.

La seule voie sûre est de trouver vos propres réponses. Ce faisant, vous découvrirez des parties de vous-même. Vous le pouvez. Vous le ferez. Vous en êtes capable.

Consommez. Créez. Expérimentez. Tous les jours, ou aussi souvent que possible.

Consommer : inspiration et aspiration

La conservation de l'inspiration, une source d'aspirations

Nous avons l'incroyable chance de vivre à une époque où des quantités quasi infinies d'inspiration sont à notre disposition ; de vastes archives de génie, pour tous les genres d'art, ne sont qu'à quelques clics, ou balayages,

Il est essentiel, à mon avis, de chercher l'inspiration à grande échelle, que ce soit à un niveau macroscopique ou pour quelque chose de plus spécifique comme une éventuelle orientation créative pour un projet. Prenez le temps de vous éloigner de la photographie et d'explorer la peinture, le cinéma, la sculpture, la musique, le design, la danse et toute autre forme d'expression créative.

Plongez dans l'ordre chaotique de la nature ainsi que dans les collections organisées par le musée. Établir un modèle de recherche d'inspiration changera radicalement la façon dont vous voyez et interagissez avec le monde de manière passionnante et inattendue.

Utilisez votre appareil pour collecter et organiser vos idées, prendre des notes ou des listes de créations, créer des tableaux Pinterest et découvrir les grands maîtres de la peinture. Mais prenez aussi le temps de mettre votre appareil de côté et de vous intéresser au concret et au concret.

Parcourez les livres d’art de votre bibliothèque ou commandez-en quelques-uns en ligne. Recherchez d’autres artistes et créateurs dans votre communauté. Offrez à ceux que vous admirez un repas, un café ou un cocktail en échange de leur temps. Adoptez l’art – connectez-vous à l’art, sous toutes ses formes.

En chemin, commencez à identifier des schémas dans ce qui vous fait bouger, visuellement, verbalement, auditivement et kinesthésiquement. Y a-t-il des couleurs ou des sons spécifiques qui vous attirent, certaines silhouettes dont vous n'arrivez pas à détourner le regard, des éléments thématiques, des récits ou des mythologies qui vous laissent fasciné ? Il s'agit de qui vous êtes et de qui vous voulez être, de la façon dont vous voyez le monde et de la façon dont vous aimeriez que le monde soit ou soit vu ; de ce qui compte le plus pour vous et de qui, et pourquoi.

De manière plus ciblée, rassemblez vos inspirations pour l'éclairage, la pose et le style. Si possible, explorez vos sources d'inspiration et essayez d'élaborer ces liens. Avant de commencer à exprimer votre esthétique singulièrement unique, en tant qu'artiste, vous commencerez à savoir à quoi cela ressemble et à quoi cela ressemble. C'est surréaliste et sublime.

Assez d'inspiration, mais il est temps de créer !

Créer : intention et ingéniosité

Technique, méthodes et approche.

Avant de nous plonger dans le vif du sujet, prenons un moment pour aborder le sujet qui nous préoccupe le plus : un équipement haut de gamme ne fait pas un photographe haut de gamme.

Cela étant dit, certains équipements, applications et logiciels peuvent rendre le processus créatif beaucoup plus efficace et, potentiellement, rendre la création artistique moins pénible et plus amusante. En fin de compte, nous ne sommes limités que par notre imagination et notre volonté de sortir des sentiers battus.

Une question souvent posée dans les communautés numériques et créatives est de savoir comment éclairer un sujet ou si l'approche d'éclairage était judicieuse, pratique, appropriée, bien exécutée, etc. Ces questions sont invariablement répondues par des questions réactives telles que qu'essayez-vous de dire, de transmettre ou d'évoquer, quelle ambiance ou quelle esthétique recherchez-vous et, plus important encore, que pensez-vous, ressentez-vous ou croyez-vous.

Cela va droit au but et révèle l'intention ; la technique et l'approche sont basées sur l'intention. Si vous souhaitez amplifier la texture, il est raisonnable d'opter pour une lumière dure et directionnelle. Si vous souhaitez minimiser la texture, il est raisonnable d'opter pour une lumière douce, indirecte et en plumes.

Si vous souhaitez qu'une image ait un aspect rétro et cinématographique, un grain dense, des couleurs atténuées et un manque subtil de clarté peuvent être judicieux lors de l'édition. Si vous souhaitez qu'une image ait un aspect moderne et commercial, ces mêmes éléments seraient probablement inappropriés.

C'est l'une des raisons pour lesquelles je continue à utiliser la pellicule avec ferveur. Et c'est une raison pour laquelle je pense que tout le monde devrait le faire ! En plus d'être obsédé par la magie du film et l'esthétique analogique en général, cela m'aide – m'oblige – à faire preuve de discipline et de prévoyance.

Le support nécessite une intention. Lorsque je photographie avec ma Mamiya RB67, je sais que je n'ai que 10 images par pellicule. Je passe du temps à réfléchir à mon sujet, à mon environnement, à la lumière et aux ombres, aux couleurs, aux textures, etc. J'évalue différentes possibilités et je décide du mélange qui me semble le plus en phase avec le résultat escompté.

À partir de là, je mesure la lumière, ajuste mes réglages, arme l'obturateur, fais la mise au point sur le sujet, respire et appuie sur le déclencheur. C'est presque méditatif et a une forte propension à induire un état de flow.

Désolé pour ce discours miniature et pro-cinéma. À vous de jouer.

Alors, c'est à vous de raconter votre histoire... Que voulez-vous dire ?

Bien entendu, les nuances et les détails varieront considérablement en fonction des spécificités de votre équipement, de votre environnement, de vos intentions et de votre expérience. Pour l'instant, nous allons nous concentrer sur les éléments fondamentaux essentiels.

Éléments essentiels

Toi

Ouais ! Tu es incroyable et, en tant que tel, tu es l'élément le plus crucial de l'autoportrait. Sans toi, même la lumière n'a pas d'importance... Ouais, prends un moment pour apprécier à quel point tu dois être incroyable si l'importance de la lumière est basée sur toi. Je m'égare.

Lumière

Je sais, je sais, cela semble être un élément élémentaire, évident. Mais c'est tellement important qu'il vaut la peine de le répéter, encore et encore, et encore et encore... En tant que photographes, nous communiquons avant tout dans le langage de la lumière et de l'ombre, de leurs proportions et de leur interaction.

Soyons honnêtes, sans source de lumière, tout le reste est inutile. En fin de compte, la lumière est la lumière ; la source n'est pas aussi cruciale que ses propriétés. La lumière et l'ombre feront ou détruiront votre portrait, quels que soient les autres éléments et facettes. La lumière naturelle, la lumière constante, la lumière stroboscopique ou une combinaison de celles-ci fonctionneront très bien.

Paolo Roversi a éclairé bon nombre de ses chefs-d'œuvre avec rien d'autre que des Maglites. La magie, ou son absence, réside dans la façon dont vous intégrez et modifiez votre ou vos sources lumineuses.

C'est le moment idéal pour vous référer à ce que vous avez compilé comme source d'inspiration, le revisiter ou l'élargir. Que vous cherchiez à recréer, à imiter partiellement ou simplement à organiser des éléments dans votre propre agrégat, explorez ces sources !

Un bon point de départ pour évaluer et définir les options d'éclairage est l'ambiance. Recherchez-vous un éclairage lumineux et aéré ou optez-vous pour un éclairage sombre et maussade, une fantaisie ou un malheur, un triomphe ou une tragédie, un isolement ou une intégration ? De plus, qu'essayez-vous exactement d'éclairer : votre visage ou tout votre corps ?

À partir de là, déterminez si la lumière est adaptée à l'ambiance et au cadre souhaités. Si ce n'est pas le cas, pourquoi ? Avez-vous besoin de plus ou moins de lumière, d'ombres plus profondes ou plus claires, d'une lumière plus douce ou plus dure, etc. ?

Modifiez votre éclairage, selon vos besoins, jusqu'à ce que vous vous sentiez aussi bien que possible. Oui, il y a beaucoup à faire en post-traitement, sans aucun doute. Cependant, je pense qu'il est plus efficace et plus satisfaisant d'obtenir les choses aussi proches que possible de la réalité à l'intérieur de l'appareil photo. C'est juste mon avis.

Trépied

S'il y a un équipement dont tout autoportraitiste a besoin, c'est un trépied robuste. De préférence, un trépied qui offre une grande liberté de réglage en hauteur et en angle, tout en étant relativement facile à régler. En cas de besoin, vous pouvez fixer votre appareil photo directement sur un pied d'éclairage ou le poser de manière précaire sur et contre quelque chose, si vous vous sentez en danger.

En parlant d'angles, j'aime pouvoir prendre des photos verticales et horizontales sans problème. À cette fin, j'ai équipé mon appareil photo d'un support en L qui s'adapte à n'importe quelle plaque de montage Swiss-Arca. Cela me permet de passer sans effort d'une variante de cadre à l'autre sans avoir à positionner mon appareil photo d'une manière qui exerce plus de pression sur les éléments de support et augmente la probabilité que mes outils de subsistance s'écrasent au sol.

Même si vous n'avez pas besoin de dépenser une fortune, ce n'est pas un endroit où votre objectif principal devrait être d'économiser quelques centimes. N'oubliez pas que ce trépied servira de support à votre appareil photo et à votre objectif ! À ce propos, je vérifie mon trépied avant chaque séance où il sera utilisé, juste pour m'assurer que rien n'est desserré, dénudé ou défectueux.

Assurez-vous que tout est bien fixé, s'il vous plaît ! J'ai déjà fait cette erreur dans le passé, et ce n'est pas très agréable. :/

Déclenchement

Donc, votre conception d'éclairage est spectaculaire et votre trépied est si robuste qu'il pourrait supporter King Kong. Bien. La question devient alors : comment allez-vous déclencher l'obturateur de votre appareil photo ?

Il existe plusieurs options, chacune comportant des avantages et des inconvénients. Certaines présentent bien plus d'avantages que d'inconvénients.

Minuterie de l'appareil photo

Si vous souhaitez faire un peu d'exercice pendant votre séance et risquez de devenir suffisamment stressé pour vieillir prématurément, c'est une excellente option. Je plaisante, mais jusqu'à ce que je passe de Pentax à Sony, c'était ma méthode de prédilection. Comme j'oubliais toujours mon déclencheur à distance, mon approche consistait généralement à configurer tous les éléments du cadre, à appuyer sur le déclencheur (réglé sur un retardateur de 10 secondes) et à me précipiter dans mon studio jusqu'à un endroit désigné où je faisais de mon mieux pour prendre une pose intrigante.

Le taux d’échec était élevé et mon niveau de frustration tendait à être déconcertant, mais j’ai persévéré et j’ai créé des portraits incroyables.

Déclencheur à distance

Si votre cadre n'inclut pas vos mains, c'est une option astucieuse. L'avantage majeur de cette approche est que vous n'avez pas besoin de sprinter de l'appareil photo à votre endroit précis, et vous pouvez prendre autant de photos que vous le souhaitez, en ajustant les angles, la pose, les micro-expressions, etc.

L'inconvénient est que vous ne savez pas à quoi ressemblent vos images, car vous déclenchez l'obturateur de manière séquentielle. Vous risquez de vous retrouver avec 20 images toutes aussi floues et de travers si vous ne vérifiez pas votre travail régulièrement.

Déclencheur à distance avec minuterie

Cette option permet beaucoup de légèreté en termes de positionnement, de pose, etc. J'aime associer un déclencheur à distance à un court minuteur de 3 à 5 secondes. Ce faisant, cela me permet de déclencher le minuteur et d'avoir encore quelques instants pour m'installer dans une posture ou une expression.

Application mobile

À mon humble avis, c'est le Saint Graal de toutes les approches. Je ne peux parler que de l'application Imaging Edge de Sony, car je n'ai pas beaucoup d'expérience avec les applications mobiles d'autres marques.

L'application Sony me permet de me connecter à mon appareil photo via le Wi-Fi et offre un point de vue en temps réel comme si je regardais l'écran d'affichage derrière l'appareil photo. Cela me permet de cadrer et de poser sans avoir à prendre une série de photos d'essai.

De plus, je peux modifier les paramètres de l'appareil photo directement depuis l'application, donc si je veux plus ou moins de lumière, en studio, c'est aussi simple que d'ouvrir ou de fermer l'ouverture. Tout aussi important, et je l'expliquerai plus en détail dans un instant, c'est que l'application me permet de confirmer la mise au point avant de déclencher l'obturateur. C'est presque magique !

Partage de connexion

C'est une autre méthode que j'ai utilisée avec succès. Associée à Capture One, tant que votre appareil photo est pris en charge, c'est une excellente option. Vous pouvez positionner un ordinateur portable juste en dehors du cadre et utiliser C1 non seulement pour vérifier votre cadrage, votre mise au point, votre lumière, etc., mais aussi pour contrôler directement les paramètres de votre appareil photo et déclencher l'appareil photo à distance.

Si j'utilisais un système de caméra qui n'offrait pas d'application viable, ce serait sans aucun doute mon premier choix.

Se concentrer

L'une des questions les plus courantes que je reçois à propos de mes autoportraits concerne la manière dont je parviens à faire la mise au point de manière appropriée et à produire des images nettes. Ayant utilisé des appareils photo dotés, sans doute, du pire et du meilleur autofocus, par rapport à leur catégorie, pour les autoportraits, ma réponse est un peu divergente.

Lorsque je photographiais avec un Pentax, ma méthode consistait à passer en mise au point manuelle, à utiliser la fonction de mise au point maximale de l'écran d'affichage et à effectuer une pré-mise au point sur une zone définie. Il pouvait s'agir d'une chaise, d'un mannequin, d'un arrière-plan, d'une pile de livres ou de tout autre élément placé ou pouvant être placé le plus près de l'endroit concerné. Cette méthode fonctionne mieux avec des ouvertures inférieures à f/5,6, pour une plus grande légèreté dans le plan focal.

Maintenant que je photographie avec Sony, j'ai presque l'impression de tricher, pour être honnête. L'application, combinée à la mise au point automatique oculaire et au suivi en temps réel de Sony, est quasiment infaillible. Une fois que je suis en position, j'appuie simplement sur le bouton de l'obturateur de l'application pour établir ou confirmer la mise au point et relâcher. C'est tout, vraiment.

C'est là que chacun aura une méthode différente, en fonction du fabricant et du modèle de son appareil photo. Si vous avez la possibilité d'utiliser une application fonctionnelle, c'est ce qu'il vous faut. Sinon, si votre appareil photo propose un type de suivi des yeux ou du sujet, vous pouvez vérifier si ces fonctionnalités sont compatibles avec le déclenchement à distance et la fonction de minuterie. Si tout le reste échoue, optez pour la vieille école, faites la pré-mise au point manuellement et savourez votre talent !

Simplicité

Je crois fermement au vieil adage selon lequel la simplicité est synonyme d'élégance. KISS (Keep It Simple Silly - c'est mon interprétation, du moins). J'ai un penchant pour rendre les choses plus compliquées qu'elles ne devraient l'être, et je sais que je ne suis pas le seul à le penser.

Surtout au début, veillez à ce que tout soit aussi simple et direct que possible. Au fur et à mesure que vous explorez, expérimentez et commencez à définir votre arsenal de techniques et votre flux de travail, ajoutez des éléments si nécessaire.

Variables

Garde-robe

Que porter ? C'est l'une des principales questions que se posent ceux qui s'apprêtent à faire un autoportrait. Comme pour toutes les facettes que nous avons explorées jusqu'à présent, il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Votre séance d'autoportrait se déroule-t-elle tous les jours ou est-elle moins typique ? Avez-vous une inspiration définitive ; sinon, avez-vous décidé d'un lieu, d'un style d'éclairage, d'un thème, etc. ?

En tant que photographe éditorial et de mode, la garde-robe est de la plus haute importance pour moi. Parfois, je construis les détails d'une séance photo autour de la garde-robe. D'autres fois, j'adapte le style aux détails de la séance photo. Les deux méthodes peuvent fonctionner exceptionnellement bien.

Deux mots aussi : friperie . Sérieusement. Presque tout ce que j'ai porté dans mes autoportraits provient de friperies de ma région. Encore une fois, c'est un domaine où l'inspiration joue un rôle important. Si vous avez des idées en tête, avant de vous rendre dans une friperie ou n'importe quel endroit où vous procurer des vêtements, vous aurez beaucoup plus de chances de trouver des pièces appropriées. Organisez votre vision !

Environnement

Cela peut être à l'intérieur ou à l'extérieur, dans la nature ou dans un environnement industriel, dans un studio ou un parc. Étant donné que je passe la plupart de mon temps en studio, cet environnement est celui qui me convient le mieux. Votre expérience peut varier.

Pour commencer, je vous recommande vivement de commencer à l'intérieur, si possible, pour éviter de lutter contre les éléments tels que le vent et autres. Des autoportraits exceptionnels ont été créés dans des sous-sols humides, des appartements exigus et des abris pour voitures arides. Ne laissez pas l'emplacement dicter votre vision.

Poser

La pose est avant tout une question de conscience corporelle. La conscience corporelle découle d'une pratique consciente. Toute activité qui vous fait entrer dans votre corps est un atout à mes yeux. Je considère les danseurs de formation classique comme le summum de ce type de conscience.

Une façon sûre d’améliorer votre posture est de vous tenir devant un miroir et de vous entraîner – devinez quoi – à poser ! Je sais que cela semble simple et idiot, mais c’est tout à fait vrai. Concentrez-vous sur votre forme comme un dessin gestuel ; déconstruisez-vous en formes et en lignes. Pensez en termes de courbes, de triangles et d’éléments parallèles.

Non seulement vous concentrer sur la pose améliorera considérablement vos autoportraits, mais cela vous donnera également une capacité étonnante à diriger ceux que vous photographiez. Une compétence très précieuse en soi.

Expression

L'un des aspects les plus critiques de l'expression est de savoir si elle s'aligne ou non avec la pose et la posture. La cohésion est le maître mot lorsqu'il s'agit de créer quelque chose d'intrigant visuellement. Oui, je sais, la dissonance peut également être utilisée efficacement, mais c'est un sujet pour un autre jour et un autre article détaillé.

En ce qui concerne l'expression, en ce qui concerne l'autoportrait, je me mets généralement en scène comme si j'étais un acteur ; je recherche l'expérience, la mémoire et l'association, en fonction de ce que je m'efforce de transmettre. De cette façon, l'humeur ou l'état d'esprit apparaît beaucoup plus authentique et significatif.

Angles de prise de vue

Il est bien trop facile de se retrouver coincé dans des perspectives très génériques et linéaires lors de la prise de vue d'autoportraits. Je suis un grand adepte des prises de vue de bas en haut, ainsi que de la mise en œuvre créative de la distorsion présente dans les objectifs grand angle.

C'est un endroit idéal pour tester et repousser les limites. Les films, et la cinématographie en général, sont une excellente source d'inspiration à cet égard et un bon point de départ pour l'expérimentation.

Cadrage et recadrage

Oui, il existe de nombreuses règles et directives habituelles concernant la composition, le recadrage, etc. Le problème, c'est que les règles sont faites pour être transgressées. N'ayez pas peur de laisser une tonne d'espace négatif près des bordures du cadre ou de recadrer un portrait juste au-dessus du sourcil et en dessous du menton.

Cette variable est étroitement liée à votre intention : que cherchez-vous à dire ? S'il s'agit de proximité et d'intimité, un recadrage serré avec une mise au point sur les yeux peut bien fonctionner ; en revanche, s'il s'agit de solitude et d'isolement, un plan d'environnement plus large où vous n'occupez qu'une petite partie du cadre peut mieux transmettre ce concept.

Expérimentez. Expérimentez. Expérimentez.

Maintenant que nous créons des autoportraits, comment pouvons-nous procéder à une évaluation honnête et à une critique constructive ?

Évaluer : célébrer et critiquer

Réviser sérieusement tout en luttant contre les biais de perspective

Je sais que le mot haine est un peu fort, mais je suis assez confiant en affirmant que, surtout au début, vous allez détester beaucoup de clichés. À moins que vous n'ayez passé un temps décent devant la caméra, il vous faudra un certain temps pour arriver à un point où vous vous sentirez vraiment à l'aise. Jusque-là, la route sera un peu cahoteuse ; je vous le dis en toute transparence.

Une fois que vous commencez à vous sentir bien, à la fois dans votre méthodologie et devant la caméra, vous verrez une augmentation massive du calibre et de la cohérence émerger de vos séances. Il y a aussi de fortes chances que vous vous retrouviez de plus en plus critique à l'égard de ce que vous créez. C'est un paradoxe, mais c'est réel. Pendant les périodes de développement, il y a souvent des périodes où plus on s'améliore, plus on devient critique.

Bien sûr, il faut être honnête et se dépasser, mais il est trop facile de se diriger vers l'épuisement professionnel et la ruine créative. C'est là que l'inspiration et l'exécution jouent un rôle important.

Même si vous êtes dans un état d'esprit où vous êtes trop critique envers vous-même, vous pouvez toujours trouver du réconfort dans ce que vous avez créé, si vous avez efficacement donné vie à une vision, ou si vous avez imité une technique ou une œuvre d'art avec un certain degré de précision.

Même si cela peut être difficile, il est également essentiel de commencer à partager vos autoportraits dès que possible. Que ce soit à l'échelle privée avec des amis et des collègues ou à plus grande échelle dans des communautés sûres, saines, solidaires et créatives. Le feedback est non seulement crucial pour la croissance, mais aussi pour un changement de perspective bien nécessaire.

Voir son travail, même partiellement, à travers les yeux d’un autre peut être une expérience puissante et transformatrice. Avec de la pratique, nous pouvons commencer à voir, évaluer et interagir avec notre travail, en utilisant cette perspective externe, si nécessaire.

Évolution : authenticité et expression

Se connecter à son cœur artistique

L'art est bien sûr une forme d'expression ; pour être plus précis, quel que soit le médium ou le sujet, je crois qu'il s'agit d'une expression de soi. Si nous ne sommes pas vraiment connectés à nous-mêmes, si nous avons, en cours de route, perdu de vue qui nous sommes, de quoi nous sommes faits et de ce qui est important pour nous, alors notre art est nécessairement limité par un moi incomplet.

Je pense que le développement personnel et le développement artistique sont inextricablement liés. Pour embrasser notre art, nous devons nous accepter nous-mêmes. Nous devons également nous aimer nous-mêmes pour aimer notre art. C'est une tâche difficile. C'était certainement le cas pour moi.

Mais mon expérience m’a appris que l’art est un moyen par lequel nous pouvons cultiver une nouvelle appréciation et une nouvelle confiance en nous-mêmes. Je sais que l’art peut guérir. Je choisis de croire que dans ce qu’elle a de meilleur, la vie est un art et l’art une vie. Il n’y a pas d’émulation, seulement un tout complet.

J’avais l’habitude de penser que le plus grand don que m’offrait la photographie était la capacité de me connecter aux autres et au monde ; que c’était un moyen par lequel je pouvais partager les histoires de quiconque se mettait devant mon objectif. Je sais que ces choses sont exactes, sans aucun doute.

Cependant, j'ai fini par réaliser que, pour moi, la contribution la plus significative de la photographie à mon existence, c'est qu'elle m'a permis de me (re)connecter à moi-même. Grâce à cette connexion, je me sens mieux à même de m'exprimer et, par conséquent, de créer. C'est une magnifique boucle de rétroaction dans laquelle une main nourrit l'autre. Cela me semble juste. L'autoportrait a été un puissant moyen pour moi d'être, de me louer, de m'aimer et de m'accepter ; pour moi de vivre et de partager mon histoire.

Si vous vous engagez dans un régime de création d’autoportraits, appelez cela un acte transitoire de discipline créative, je suis convaincu que cela vous changera, vous et votre art, de manière profonde.

La seule chose qui fait plus de bruit que la destruction, c’est la création. C’est un principe qui me guide dans ma vie. Aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin de l’art. Aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin des artistes. Vous êtes singulièrement uniques. Vous avez quelque chose à offrir, qui ne ressemble à aucun autre. Le monde a besoin de vous et de votre art. Mais pour partager votre art, pour libérer votre expression, vous devez d’abord vous connecter à vous-même, à votre moi.

Tu peux. Tu le feras. Tu peux le faire.

Consommez. Créez. Expérimentez. Tous les jours, ou aussi souvent que possible.

Équipement : l'art contre l'acquisition

Expérimenter, Innover, Acquérir, Consolider

Les artistes créent avec les moyens du bord. Les techniciens sont liés à leurs outils et à leurs procédures. Quand la créativité et l'ingéniosité règnent en maître, on peut faire tellement de choses avec si peu.

Dans notre art, dans notre industrie, on nous fait trop souvent croire que nous sommes limités par les détails de notre équipement. On nous fait trop souvent croire que l’acquisition de biens est plus pertinente et essentielle que l’acquisition de connaissances, le perfectionnement des compétences et la maîtrise de la technique.

Le meilleur investissement que nous puissions faire est en nous-mêmes. Les connaissances et les compétences sont inestimables. Perfectionnez votre art, découvrez votre voix, connectez-vous à l'artiste qui sommeille en vous ; les outils ne sont qu'un moyen pour parvenir à une fin. Vous êtes le créateur et le canal d'expression. Tout le reste n'est qu'une extension de vous-même.

Cela étant dit, dans la mesure du possible, il est préférable de sélectionner le bon outil pour le bon travail. Voici mes recommandations pour l'autoportraitiste en herbe :

Recommandations d'équipement

Support en L : 3 pattes | Support en L universel

Trépied : Trépied en fibre de carbone Tiffen

Éclairage | Stroboscopes : Flashpoint XPLOR 600 HSS | Flashpoint eVOLV 200

Éclairage | Modificateurs : Glow EZ Lock 60” Octabox | Glow EZ Lock 51” Deep Beaded-Silver Umbrella | Glow 70° Reflector

Appareil photo : Kit Sony A7RIV | Pack Sony A7III

Objectifs : Rokinon 45 1,8 AF | Rokinon 85 1.4 AF | SigmaART35 1.4

Déclencheurs/applications : émetteur Flashpoint R2 Pro | déclencheur sans fil Alzo (si l'application n'est pas disponible) | Sony Imaging Edge

Auxiliaire/Accessoires : Outils d'attache | Câble d'attache

90 jours de contenu

Au cours des 90 prochains jours, nous allons travailler avec certains des meilleurs artistes pour explorer des recommandations qui vous apporteront des solutions aux problèmes que nous avons tous rencontrés. Nous payons les auteurs un salaire vraiment équitable pour chaque article original et nous écrivons sur des sujets qui ne sont sponsorisés par aucune marque. Il n'y a personne d'autre que notre opinion derrière tout cela. Nous serions ravis que vous utilisiez nos liens d'affiliation ici afin que nous puissions continuer à écrire des articles géniaux auxquels vous pouvez faire confiance.