Comment prendre de superbes autoportraits

Comment prendre un autoportrait

Prendre contre créer

En vérité, prendre un autoportrait est aussi simple que possible ; vous vous placez quelque part dans le cadre et déclenchez l'obturateur de l'appareil photo, par n'importe quel moyen. Ça y est, vous avez terminé.

Cependant, créer un autoportrait qui a de la substance, de la profondeur, du contexte et du sens est une toute autre histoire. Puisque vous avez recherché un article sur l'autoportrait, je vais sauter et supposer que vous souhaitez créer une photographie fantastique – une photographie dont vous, le photographe, êtes le sujet.

Depuis qu’il y a des artistes, il y a des autoportraits. Ils constituent un outil essentiel pour se connecter à sa propre créativité et favoriser une plus grande prise de conscience et une plus grande appréciation de ce que signifie être de l'autre côté de la caméra.

Au cours de ce processus de connexion et de découverte, nous, photographes, sommes inévitablement obligés de faire face à une certaine mesure de peur, d’inconfort et d’appréhension, tout à fait naturelle et raisonnable, étant donné que nous nous engageons dans un puissant acte de vulnérabilité.

La vulnérabilité est un vaisseau d’évolution artistique et un conduit de développement créatif. Le sujet de la vulnérabilité dépasse largement la portée de cet article ; cependant, il s'agit d'un élément remarquable et nécessaire du parcours de chaque artiste vers ses rêves, objectifs et aspirations respectifs.

La méthode, la technique et l'approche varient toutes considérablement, en fonction du type de portrait que vous avez l'intention de réaliser et de ce dont vous disposez jusqu'à la fin de cette production. Il suffit de dire que l’ingéniosité et l’inventivité offriront bien plus de possibilités que le seul équipement haut de gamme.

J'écris cet article parce que je crois fermement au pouvoir, à la profondeur et à la nécessité de l'autoportrait pour tous les photographes, en particulier ceux qui photographient des personnes. Pour moi, les autoportraits se sont révélés être un acte d’amour-propre, d’appréciation et de gratitude. Chaque séance m'a permis de me connecter avec moi-même et mon art, à un degré étonnant.

De plus, en acceptant la vulnérabilité et en surmontant la peur et l'anxiété qui y sont associées, j'ai acquis un respect et une admiration plus profonds pour quiconque choisit de se placer devant mon objectif.

Ce qui suit est une exploration, certes biaisée, de l’autoportrait. À la fin de cet article, si vous durez aussi longtemps, j'espère sincèrement que vous vous sentirez non seulement inspiré mais aussi excité à l'idée de vous lancer dans un incroyable voyage de découverte de soi et de croissance artistique.

Je dois également ajouter une remarque : si tous les autoportraits sont nécessairement une sorte de selfie, tous les selfies ne sont pas eux-mêmes des autoportraits. Selon ma définition, du moins. ;)

Pourquoi produire des autoportraits

La justification et le raisonnement pour vous photographier

La raison la plus pragmatique et la plus pratique pour créer des autoportraits est d’ordre logistique : la facilité d’accès. Parfois, il peut être extrêmement difficile de sécuriser un sujet, en particulier lorsqu'il s'agit d'objectifs non liés au projet, comme expérimenter des modificateurs d'éclairage, des gels, etc. Chaque fois que vous souhaitez créer, pratiquer, tester ou quoi que ce soit de ce genre, vous devrait être disponible !

À cette fin, l’autoportrait permet de pratiquer, d’expérimenter, d’échouer et d’affiner sans le fardeau d’être observé ou de se sentir redevable de produire l’imagerie finale. C'est une mêlée créative où rien n'est interdit et où tout est permis. C'est le moment de s'enthousiasmer, d'être frustré, de rire, de pleurer ou éventuellement de s'effondrer.

À un moment donné, vous allez probablement trébucher, tomber, renverser quelque chose, converser avec un stroboscope ou jeter un objet inanimé contre un mur. Je veux dire, je n'ai jamais fait les deux derniers, du moins pas au cours des dernières 24 heures, mais chacun le sien. Ce qui se passe lors des séances d’autoportrait reste dans les séances d’autoportrait. Blague à part, la liberté de jouer de manière créative sans attente est une véritable panacée pour le développement des compétences.

Mais bien entendu, l’art est bien plus qu’une simple technique. C'est une expression, c'est une individualité, c'est une incarnation de l'artiste. L'une des questions que les photographes posent souvent, surtout lorsqu'ils commencent à prendre leur métier plus au sérieux et à réfléchir sérieusement à ce qu'ils créent, est de savoir comment développer leur esthétique ou leur voix visuelle.

Ma réponse à cette question est toujours de consommer, de créer et d’expérimenter. Consommez l'art sous toutes ses formes et prenez note de ce qui vous fascine ou vous inspire, en termes de lumière, de sensation, de couleurs, de textures, d'environnement, de cadrage, de narration, de connexion, etc. Déconstruisez et reconstruisez. Expérience; imiter, recréer, conserver, jeter, regrouper, échouer, réussir et finalement – ​​évoluer.

L'autoportrait est un havre de paix pour expérimenter et créer. C'est un lieu pour tester de nouvelles techniques, pour affiner les approches fondamentales, pour mettre de côté les frontières et les limites en faveur de ce qui pourrait, pourrait et sera.

Mon studio, ou lieu, pendant ces séances, est un endroit où je peux être audacieux, honnête et inébranlable dans la poursuite de ma passion ; c'est un creuset et un catalyseur, un espace où il m'est permis de rêver, d'imaginer, de visualiser et d'explorer sans contrainte. Votre espace créatif recèle pour vous un potentiel similaire, voire plus important.

Bien sûr, il n’en a pas toujours été ainsi. Lorsque j’ai commencé à m’intéresser plus sérieusement à l’autoportrait, j’étais en proie à la peur et à l’anxiété. Pour moi donc, me photographier, c’était magnifier tout ce contre quoi je me battais ; dégoût de soi, dysmorphie corporelle, syndrome de l'imposteur et sentiment dominant d'incapacité en tant qu'artiste et photographe.

Confrontation : peur et vulnérabilité

Peur, anxiété, appréhension et vulnérabilité

Sans aucun doute, la plainte, le conflit ou l’inquiétude le plus courant que je rencontre lorsque je discute avec d’autres photographes concernant les autoportraits est un inconfort intense. Souvent, cet inconfort provient de la peur et de l’anxiété centrées sur la vulnérabilité et l’exposition – du type d’être vu, et non de celui de l’histogramme. Mauvais jeu de mots, je sais.

Malgré les tentatives d’humour dérisoires, l’inconfort est souvent une force d’opposition massive lorsque l’on commence à expérimenter les autoportraits. D’une manière générale, pour la plupart, se trouver formellement devant la caméra est inconfortable.

Associez ce manque généralisé d’aisance à l’éclairage, au cadrage, à la garde-robe, à la pose, à l’émotion, au timing et à d’autres éléments, à la fois tangibles et intangibles, et vous obtenez une recette éprouvée pour la détresse.

Il ne s’agit pas de diminuer ou de rejeter les éléments techniques et de production, mais ces variables sont souvent gonflées pour éclipser ce qui a tendance à se cacher en dessous ; la peur et l'anxiété, à la fois d'être vu et de se voir soi-même. Vulnérabilité – nous nous retrouvons, mon vieil ami.

À mon humble avis, créer un autoportrait méritoire exige que nous, le photographe, incarnions un état d'être transparent et sans surveillance.

Mon parcours a commencé avec beaucoup de face-de-canard et beaucoup de retouches. Alors que j'ai commencé à créer et à partager des autoportraits, avec intention et cohérence, j'ai rapidement pris conscience que je passais plus de temps à traiter et à éditer ces images qu'à mon travail commercial.

À vrai dire, c’était révélateur, bouleversant et quelque peu déprimant. Apparemment, tout ce que je pouvais voir était des imperfections : l'âge, les cicatrices, l'asymétrie, le physique, la taille, les proportions, etc. C'était difficile de me regarder à travers mon propre objectif. Ce fut une prise de conscience profonde et une révélation puissante.

Alors que je produisais des autoportraits agréables à regarder et bien accueillis sur les réseaux sociaux et dans les communautés en ligne, je ne créais pas d'autoportraits qui me paraissaient significatifs. Je ne me sentais pas bien avec les images parce que je n'avais pas l'impression que les images étaient moi.

Alors, je me suis mis à créer des plans qui me semblaient bons ; J'ai commencé à me regarder comme je regarderais un client. Essentiellement, j’ai décidé de créer un récit sur mesure pour moi-même en tant qu’homme et artiste. J'ai commandé un portrait de moi à nul autre que moi.

Soudainement, les choses ont pris une tournure intéressante et je me suis senti habilité à m'exprimer et inondé d'un sentiment presque écrasant de fierté, d'épanouissement et d'inspiration. Grâce à l’autoportrait, j’ai pu me (re)connecter à moi-même. Ponctuer cette dernière phrase a fait dresser les petits poils sur ma nuque. Ouah.

Cet article concerne la création d'autoportraits étonnants ; mais pas à propos de mon histoire. Cependant, je pense qu'il est nécessaire de partager des fragments de mon voyage car même si nous parcourons tous notre propre chemin, nous avons tendance à partager de nombreuses étapes, sous une forme ou une autre.

Ce que je veux dire, c’est que la peur, l’anxiété, l’appréhension, l’inconfort, la tension, la détresse et la lutte font tous partie du processus, non seulement des autoportraits mais aussi de l’art. Le sort de l’artiste est intimement lié au potentiel et au pouvoir que nous exerçons en tant qu’artistes.

J’aimerais pouvoir partager une sorte de formule magique qui, si elle était suivie à la lettre, représenterait une voie infaillible pour traverser la tempête. Cependant, je ne peux pas. Ce que je peux dire avec certitude, c’est que les confrontations inévitables sont pleines de promesses et d’un potentiel immense ; cet inconfort et cette tension disparaîtront et seront remplacés par la facilité, l'expansion créative et l'expression infinie.

En fin de compte, tout est éphémère. Les sentiments, les états d’esprit, d’être et les humeurs passeront. Ma méthode, ces derniers temps, a été de permettre à tout ce que je ressens et vis de s'infiltrer et de se déplacer à travers moi ; respirer. Au fur et à mesure que je crée de l'espace dans mes poumons, un espace est également créé pour de nouveaux états émotionnels et états d'être.

Le seul chemin sûr est de trouver vos propres réponses ; ce faisant, vous découvrirez des parties de vous-même. Tu peux. Vous serez. Vous avez ça.

Consommer. Créer. Expérience. Tous les jours, ou aussi souvent que possible.

Consommer : inspiration et aspiration

L'inspiration en matière de conservation, comme source d'aspirations

Nous avons une chance incroyable de vivre à une époque où des quantités d’inspiration presque infinies s’offrent à nous ; de vastes archives brillantes, pour tous les genres d'art, ne sont qu'à quelques clics ou balayages,

À mon avis, il est essentiel de ratisser large lors de la recherche d'inspiration, que ce soit à un niveau macroscopique ou pour quelque chose de plus spécifique comme la direction créative potentielle d'un projet. Prenez le temps de vous éloigner de la photographie et d'explorer la peinture, le cinéma, la sculpture, la musique, le design, la danse et toute autre forme d'expression créative.

Plongez-vous dans l'ordre chaotique de la nature ainsi que dans les collections conservées au musée. Établir un modèle de recherche d’inspiration changera radicalement votre façon de voir et d’interagir avec le monde de manière passionnante et inattendue.

Utilisez votre appareil pour collecter et organiser l'inspiration ; prendre des notes ou dresser des listes ; créez des tableaux Pinterest et explorez les grands maîtres de la peinture. Mais prenez également le temps de mettre votre appareil de côté et de vous engager dans le tangible et le littéral.

Consultez les livres d’art de votre bibliothèque ou commandez-en quelques-uns en ligne. Recherchez d’autres artistes et créateurs dans votre communauté. Offrez à ceux que vous admirez un repas, un café ou un cocktail en échange de leur temps. Adoptez l’art – connectez-vous à l’art, sous toutes ses formes.

En cours de route, commencez à identifier des modèles dans ce qui vous émeut, visuellement, verbalement, auditivement et kinesthésiquement. Y a-t-il des couleurs ou des sons spécifiques qui vous attirent, certaines silhouettes dont vous ne parvenez pas à détourner le regard, des éléments thématiques, des récits ou des mythologies qui vous laissent transpercé ? Il s’agit de qui vous êtes et de qui vous voulez être, de la façon dont vous voyez le monde et de la façon dont vous souhaiteriez que le monde soit ou soit vu ; sur ce qui compte le plus pour vous, et pourquoi.

Dans un sens plus direct, rassemblez des inspirations pour l'éclairage, la pose et le style. Si possible, explorez vos sources d’inspiration et cherchez à développer ces liens. Avant de commencer à exprimer votre esthétique singulièrement unique, en tant qu’artiste, vous commencerez à savoir à quoi cela ressemble et à quoi cela ressemble. C'est surréaliste et sublime.

Assez d'inspiration ; cependant, il est temps de créer !

Créer : intention et ingéniosité

Technique, méthodes et approche.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, prenons un moment pour aborder l’éléphant dans la pièce. Un équipement haut de gamme ne fait pas la qualité d'un photographe haut de gamme.

Cela étant dit, des équipements, applications et logiciels particuliers peuvent rendre le processus créatif beaucoup plus efficace ; et, potentiellement, rendre la création artistique moins fastidieuse et plus amusante. En fin de compte, nous ne sommes limités que par notre imagination et notre volonté de sortir des sentiers battus.

Une question qui est souvent posée dans les communautés créatives numériques est de savoir comment éclairer un sujet ou si l'approche d'éclairage était judicieuse, pratique, appropriée, bien exécutée, etc. Ces questions, invariablement, se heurtent à des questions réactives telles que qu'essayez-vous de dire, de transmettre ou d'évoquer, vers quelle ambiance ou esthétique recherchiez-vous et, plus important encore, que pensez-vous, ressentez-vous ou croyez-vous.

Cela va à l’essentiel et révèle l’intention ; la technique et l’approche reposent sur l’intention. Si vous souhaitez agrandir la texture, il est raisonnable d’opter pour une lumière dure et directionnelle. Si vous souhaitez minimiser la texture, il est raisonnable d’opter pour une lumière douce, indirecte et plumeuse.

Si vous souhaitez qu'une image ait un aspect rétro et cinématographique, un grain dense, des couleurs sourdes et un subtil manque de clarté peuvent avoir du sens lors de l'édition. Si vous souhaitez qu’une image soit moderne et commerciale, ces mêmes éléments seraient probablement inappropriés.

C'est l'une des raisons pour lesquelles je tourne avec ferveur encore aujourd'hui. Et une raison pour laquelle je pense que tout le monde devrait le faire ! En plus d’être obsédé par la magie du cinéma et de l’esthétique analogique en général, cela m’aide – me force – à faire preuve de discipline et de prévoyance.

Le médium nécessite une intention. Lors du tournage de ma Mamiya RB67, je sais que je n'ai que 10 images par rouleau. Je passe du temps à réfléchir sur mon sujet, mon environnement, la lumière et les ombres, les couleurs, les textures, etc. J'évalue différentes possibilités et décide du mélange qui, à mon avis, sera le plus conforme au résultat escompté.

À partir de là, je mesure la lumière, ajuste mes réglages, arme le déclencheur, fais la mise au point sur le sujet, respire et appuie sur le déclencheur. C'est presque méditatif et a une forte propension à induire un état de flow.

Désolé pour cette diatribe miniature et pro-film. Revenons à vous.

Alors, c'est à vous de raconter... Que veux-tu dire ?

Bien entendu, les nuances et les détails varient considérablement en fonction des spécificités de votre équipement, de votre environnement, de votre intention et de votre expérience. Pour l’instant, nous nous concentrerons sur les éléments fondamentaux critiques.

Éléments essentiels

Toi

Ouais! Vous êtes incroyable et, en tant que tel, vous êtes l’élément le plus crucial de l’autoportrait. Sans vous, même la lumière n'a pas d'importance... Ouais, prenez un moment pour apprécier à quel point vous devez être incroyable si l'importance de la lumière repose sur vous. Je digresse.

Lumière

Je sais, je sais, cela semble être un élément élémentaire, évident. Mais c'est si important qu'il vaut la peine de le répéter encore et encore, encore et encore... En tant que photographes, avant tout, nous communiquons dans le langage de la lumière et de l'ombre ; leurs proportions et leurs interactions.

Soyons honnêtes, sans source de lumière, tout le reste est sans objet. En fin de compte, la lumière est la lumière ; la source n’est pas aussi cruciale que ses propriétés. La lumière et l’ombre feront ou détruiront votre portrait, quels que soient les autres éléments et facettes. La lumière naturelle, la lumière constante, la lumière stroboscopique ou une combinaison de celles-ci fonctionneront très bien.

Bon sang, Paolo Roversi a éclairé bon nombre de ses chefs-d'œuvre avec rien de plus que des Maglites. La magie, ou son absence, réside dans la façon dont vous intégrez et modifiez votre ou vos sources de lumière.

C’est le moment idéal pour référencer, revoir ou développer ce que vous avez compilé comme source d’inspiration. Que vous cherchiez à recréer, à émuler partiellement ou simplement à organiser des pièces dans votre propre agrégat, explorez ces sources !

L’ambiance est un bon point de départ pour évaluer et définir les options d’éclairage. Recherchez-vous le clair et l'aéré ou êtes-vous engagé dans l'obscurité et la mauvaise humeur, la fantaisie ou le malheur, le triomphe ou la tragédie, l'isolement ou l'intégration ? Aussi, qu’essayez-vous exactement d’éclairer ? votre visage ou tout votre corps ?

À partir de là, déterminez si la lumière est adaptée à votre ambiance et à votre cadre. Si non, pourquoi ? Avez-vous besoin de plus ou moins de lumière, d’ombres plus ou moins profondes, de lumière plus douce ou plus dure, etc. ?

Modifiez votre lumière, si nécessaire, jusqu'à ce que vous vous sentiez aussi bien que possible. Oui, il y a sans aucun doute beaucoup de choses à faire en post-traitement. Cependant, je suis de cet acabit qu'il est plus efficace et épanouissant de rapprocher les choses le plus possible à huis clos. C'est juste mon avis.

Trépied

S’il y a un équipement dont tout autoportraitiste a besoin, c’est bien un trépied robuste. De préférence, celui qui offre une grande autonomie en termes de hauteur et d’angles, tout en étant relativement facile à régler. À la rigueur, vous pouvez fixer votre appareil photo directement sur un support d'éclairage ou le soutenir de manière précaire sur et contre quelque chose, si vous vous sentez dangereux.

En parlant d’angles, j’aime pouvoir prendre des photos à la fois verticales et horizontales sans problème. À cette fin, j'ai équipé mon appareil photo d'un support en L qui s'associe à n'importe quelle plaque de montage Swiss-Arca. Cela me permet de basculer sans effort entre les variantes de cadre sans avoir à positionner mon appareil photo d'une manière qui exerce davantage de pression sur les éléments de support et augmente la probabilité que mes outils de subsistance s'écrasent au sol.

Même si vous n'êtes pas obligé de dépenser beaucoup d'argent, ce n'est pas un endroit où votre objectif principal devrait être d'économiser quelques centimes. N'oubliez pas que ce trépied supportera votre appareil photo et votre objectif ! Sur cette note, je vérifie mon trépied avant chaque séance où il sera utilisé, juste pour m'assurer que rien n'est desserré, dépouillé ou en panne.

Assurez-vous que tout est bien sécurisé, s'il vous plaît ! J'ai fait cette erreur dans le passé et ce n'est pas très agréable. :/

Déclenchement

Ainsi, votre conception d'éclairage est spectaculaire et votre trépied est si robuste qu'il supporterait King Kong. Bien. La question devient : comment allez-vous déclencher l’obturateur de votre appareil photo ?

Il existe quelques options, toutes comportant des avantages et des inconvénients. Certains ont bien plus de premier que de second, bien sûr.

Minuterie de la caméra

Si vous souhaitez faire de l'exercice pendant votre séance et éventuellement devenir suffisamment stressé pour vieillir prématurément, c'est une excellente option. Je plaisante, mais jusqu'à ce que je passe de Pentax à Sony, c'était ma méthode de prédilection. Comme j'arrivais toujours à oublier mon déclencheur à distance, mon approche impliquait généralement de configurer tous les éléments du cadre, d'appuyer sur le déclencheur - réglé sur une minuterie de 10 secondes - et de me précipiter à travers mon studio jusqu'à un endroit désigné où je pourrais le faire. faites de mon mieux pour prendre une pose intrigante.

Le taux d’échec était élevé et mon niveau de frustration tendait à être déroutant, mais j’ai persévéré et créé des portraits incroyables.

Déclencheur à distance

Si votre cadre n’inclut pas vos mains, c’est une option intéressante. L'avantage significatif de cette approche est que vous n'avez pas besoin de sprinter depuis la caméra jusqu'à votre endroit particulier et que vous pouvez prendre autant de photos que vous le souhaitez, en ajustant les angles, les poses, les micro-expressions, etc.

L'inconvénient est que vous ne savez pas à quoi ressemblent vos images, car vous déclenchez l'obturateur séquentiellement. Vous risquez de vous retrouver avec 20 images toutes également floues et de travers si vous ne vérifiez pas votre travail avec régularité.

Déclencheur à distance avec minuterie

Cette option permet beaucoup de légèreté en termes de positionnement, de pose, etc. J'aime associer un déclencheur à distance avec une courte minuterie de 3 à 5 secondes. Ce faisant, cela me permet de déclencher le chronomètre et de disposer encore de quelques instants pour m'installer dans une posture ou une expression.

Application mobile

À mon humble avis, c’est le Saint Graal de toutes les approches. Je ne peux parler que de l'application Imaging Edge de Sony, car je n'ai pas beaucoup d'expérience avec les applications mobiles d'autres marques.

L'application Sony me permet de me connecter à ma caméra via WiFi et offre un point de vue en temps réel comme si je regardais l'écran derrière la caméra. Cela me permet de cadrer et de me poser sans avoir à prendre de nombreuses photos d'essai.

De plus, je peux modifier les paramètres de l'appareil photo directement depuis l'application, donc si je veux plus ou moins de lumière, en studio, c'est aussi simple que d'ouvrir ou de fermer l'ouverture. Tout aussi important, et discuté plus en détail dans un instant, c'est que l'application me permet de confirmer la mise au point avant de déclencher l'obturateur. C'est presque magique !

Partage de connexion

C'est une autre méthode que j'ai utilisée avec succès. Associé à Capture One, tant que votre appareil photo est pris en charge, c'est une excellente option. Vous pouvez positionner un ordinateur portable juste hors du cadre et utiliser C1 non seulement pour vérifier votre cadrage, votre mise au point, votre lumière, etc., mais également pour contrôler directement les paramètres de votre appareil photo et déclencher l'appareil photo à distance.

Si j’utilisais un système de caméra qui n’offrait pas d’application viable, ce serait sans aucun doute mon premier choix.

Mise au point

L’une des demandes les plus courantes que je reçois concernant mes autoportraits concerne la façon dont je parviens à faire la mise au point de manière appropriée et à produire des images nettes. Ayant utilisé des appareils photo dotés, sans doute, du pire et du meilleur autofocus, par rapport à la classe, pour les autoportraits, ma réponse est un peu divergente.

Lorsque je photographiais Pentax, ma méthode consistait à passer en mise au point manuelle, à utiliser la capacité de mise au point maximale de l'écran d'affichage et à effectuer une pré-mise au point sur une zone définie. Il peut s'agir d'une chaise, d'un mannequin, d'une toile de fond, d'une pile de livres ou de tout ce qui se trouve ou pourrait être placé le plus près de l'endroit concerné. Cette méthode fonctionne mieux avec des ouvertures inférieures à f/5,6, pour une plus grande légèreté dans le plan focal.

Maintenant que je photographie Sony, j'ai presque l'impression de tricher, pour être honnête. L'application, combinée à l'eye-AF et au suivi en temps réel de Sony, est presque infaillible. Une fois en position, j'appuie simplement sur le déclencheur de l'application pour établir ou confirmer la mise au point et relâcher. C'est vraiment ça.

C’est là que chacun aura une méthode différente ; par rapport au fabricant et au modèle de leur appareil photo. Si vous avez la possibilité d'avoir une application fonctionnelle, c'est votre choix. Sinon, si votre appareil photo propose tout type de suivi des yeux ou du sujet, vous pouvez vérifier si ces fonctionnalités sont compatibles avec le déclenchement à distance et la fonction de minuterie. Si tout le reste échoue, optez pour la vieille école, effectuez une pré-concentration manuelle et savourez votre badassery !

Simplicité

Je crois ardemment au vieil adage selon lequel simplicité est synonyme d’élégance. KISS (Keep It Simple Silly - c'est du moins mon interprétation.) J'ai un penchant pour rendre les choses plus compliquées qu'elles ne devraient l'être, et je sais que je ne suis pas seul à cet égard.

Surtout au début, essayez de garder tout aussi simple et direct que possible. Au fur et à mesure que vous explorez, expérimentez et commencez à définir votre arsenal de techniques et de flux de travail, ajoutez les éléments nécessaires.

Variables

Garde-robe

Quoi porter? L’une des principales réflexions de ceux qui s’apprêtent à s’autoportrait. Comme pour toutes les facettes que nous avons explorées jusqu’à présent, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Votre séance d’autoportrait est-elle quotidienne ou quelque chose de moins typique ? Avez-vous une inspiration définitive ; sinon, avez-vous décidé d'un emplacement, d'un style d'éclairage, d'un thème, etc. ?

En tant que photographe éditorial et de mode, la garde-robe est pour moi de la plus haute importance. Parfois, je construis les détails d’un shooting autour de la garde-robe. D’autres fois, je m’adapte au style en fonction des détails du tournage. Dans les deux cas, cela peut fonctionner exceptionnellement bien.

Aussi, deux mots : Friperie . Sérieusement. Presque tout ce que j'ai porté dans mes autoportraits provenait de friperies de ma région. Encore une fois, c’est un domaine où l’inspiration joue un rôle important. Si vous avez quelques idées en tête, avant de visiter une friperie ou tout autre endroit pour vous procurer des vêtements, vous aurez beaucoup plus de chances de trouver des pièces appropriées. Organisez votre vision !

Environnement

Cela peut être à l’intérieur ou à l’extérieur, nature ou industriel, un studio ou un parc. Étant donné que je passe la plupart de mon temps en studio, cet environnement est le plus confortable pour moi. Votre kilométrage peut varier.

Au début, je recommande fortement de commencer à l'intérieur, si possible, pour éviter d'affronter des éléments comme le vent et ainsi de suite. Des autoportraits superlatifs ont été créés dans des sous-sols humides, des appartements exigus et des abris de voiture arides. Ne laissez pas l'emplacement dicter votre vision.

Posant

Poser est avant tout une question de conscience du corps. La conscience du corps découle d’une pratique consciente. Toute activité qui vous amène dans votre corps est un atout à mon avis. Je considère les danseurs de formation classique comme le sommet de ce type de conscience.

Un moyen garanti d'améliorer votre pose est de vous tenir devant un miroir et de vous entraîner, devinez quoi, à poser ! Je sais que cela semble simple et idiot, mais c’est bien vrai. Concentrez-vous sur votre forme comme un dessin gestuel ; déconstruisez-vous en formes et en lignes. Pensez en termes de courbes, de triangles et d’éléments parallèles.

Non seulement vous concentrer sur la pose améliorera considérablement vos autoportraits, mais cela vous enhardira également avec une étrange capacité à diriger ceux que vous photographiez. Une compétence très précieuse en soi.

Expression

L’un des aspects les plus critiques de l’expression est de savoir si elle s’aligne ou non avec la pose et la posture. La cohésion est le maître mot lorsqu’il s’agit de créer quelque chose d’intrigant visuellement. Oui, je sais, la dissonance peut aussi être utilisée efficacement, mais c'est un sujet pour un autre jour et un autre article détaillé.

Concernant l'expression, en ce qui concerne l'autoportrait, je me dirige généralement comme si j'étais un acteur ; Je recherche l'expérience, la mémoire et l'association, par rapport à tout ce que je m'efforce de transmettre. De cette façon, l’ambiance ou l’état apparaît comme beaucoup plus authentique et significatif.

Angles de prise de vue

Il est beaucoup trop facile de se retrouver coincé dans des perspectives très génériques et linéaires lors de la prise d'autoportraits. Je suis un grand fan de la prise de vue de bas en haut, ainsi que de la mise en œuvre créative de la distorsion présente dans les objectifs grand(r) angle.

C'est un endroit privilégié pour tester et repousser les limites. Le cinéma, et le cinéma en général, est une excellente source d’inspiration dans ce domaine ; et un solide point de départ pour l’expérimentation.

Cadrage et recadrage

Oui, il existe de nombreuses règles et directives habituellement suivies concernant la composition, le recadrage, etc. Le problème, c’est que les règles sont faites pour être enfreintes. N'ayez pas peur de laisser une tonne d'espace négatif près des bordures du cadre ou de recadrer un portrait juste au-dessus du sourcil et en dessous du menton.

Cette variable est très associée à votre intention ; Qu'est-ce que tu essayes de dire? S'il s'agit de proximité et d'intimité, un recadrage serré axé sur les yeux peut bien fonctionner ; alors que s'il s'agit de solitude et d'isolement, un plan environnemental large (r) où vous n'occupez qu'une petite partie du cadre peut mieux transmettre ce concept.

Expérience. Expérience. Expérience.

Maintenant que nous créons des autoportraits, comment pouvons-nous procéder à une évaluation honnête et à une critique constructive ?

Évaluer : célébrer et critiquer

Réviser sérieusement tout en luttant contre les biais de perspective

Je sais que la haine est un mot fort, mais je suis raisonnablement sûr de pouvoir affirmer que, surtout au début, vous allez détester beaucoup de frames. À moins que vous n'ayez passé suffisamment de temps devant la caméra, il vous faudra un peu de temps pour arriver à un point où vous vous sentirez vraiment à l'aise. Jusque-là, la route sera un peu semée d’embûches ; divulgation complète.

Une fois que vous commencerez à vous sentir bien, à la fois dans votre méthodologie et devant la caméra, vous constaterez une augmentation massive du calibre et de la cohérence de vos séances. Il y a également de fortes chances que vous vous retrouviez de plus en plus critique à l'égard de ce que vous créez. C'est un paradoxe, mais c'est réel. Durant les périodes de développement, il y a souvent des périodes où plus nous nous améliorons, plus nous devenons critiques.

Bien sûr, nous devons être honnêtes et nous dépasser, mais il est beaucoup trop facile de progresser vers un épuisement impartial et une ruine créative. C’est là que l’inspiration et l’exécution jouent un rôle important.

Même si vous êtes dans un état d'esprit où vous êtes trop critique envers vous-même, vous pouvez toujours trouver du réconfort dans ce que vous avez créé, si vous avez efficacement donné vie à une vision, ou si vous avez imité une technique ou une œuvre d'art avec un certain degré de précision.

Même si cela peut s'avérer difficile, il est également essentiel de commencer à partager vos autoportraits le plus tôt possible. Que ce soit à une échelle privée avec des amis et des collègues ou à plus grande échelle dans des communautés sûres, saines, solidaires et créatives. Les retours d’information sont non seulement cruciaux pour la croissance, mais aussi pour un changement de perspective indispensable.

Voir votre travail, ne serait-ce que partiellement, à travers les yeux d’un autre, peut être une expérience puissante et transformatrice. Avec de la pratique, nous pouvons commencer à visualiser, évaluer et interagir avec notre travail, en utilisant cette perspective externe, si nécessaire.

Évolution : authenticité et expression

Se connecter avec votre noyau artistique

L’art est bien entendu une expression ; pour être plus exact, quel que soit le support ou le sujet, je crois que c'est une expression de soi. Si nous ne sommes pas vraiment connectés à nous-mêmes, si nous avons, en cours de route, perdu de vue qui nous sommes, de quoi nous sommes faits et ce qui est important pour nous, alors notre art est nécessairement contraint par un moi incomplet.

Je suis d’avis que le développement personnel et le développement artistique sont inextricablement liés. Pour embrasser notre art, nous devons nous embrasser nous-mêmes. Nous devons aussi nous aimer nous-mêmes, aimer notre art. C'est un défi de taille. C'était certainement pour moi.

Mais d’après mon expérience, l’art est un moyen par lequel nous pouvons cultiver une nouvelle appréciation et une nouvelle confiance en nous-mêmes. Je sais que l'art peut guérir. Je choisis de croire que la vie, à son meilleur, est l’art et la vie artistique. Il n’y a pas d’émulation, seulement un tout complet.

Je pensais que le plus grand cadeau que m’offrait la photographie était la capacité de me connecter aux autres et au monde ; que c'était un canal par lequel je pouvais partager les histoires de quiconque passait devant mon objectif. Je sais que ces choses sont exactes, sans aucun doute.

Cependant, j'ai réalisé que, pour moi, la contribution la plus significative de la photographie à mon existence est qu'elle m'a permis de (re)connecter avec moi-même. Grâce à cette connexion, je me trouve mieux à même de m'exprimer et donc de créer. C'est une belle boucle de rétroaction dans laquelle une main nourrit l'autre. C'est bien. L’autoportrait a été pour moi un moyen puissant d’être, de me louer, de m’aimer et de m’embrasser ; pour moi de vivre et de partager mon histoire.

Si vous vous engagez dans un régime de création d'autoportraits, appelez cela un acte passager de discipline créative, je suis convaincu que cela vous changera, vous et votre art, de manière profonde.

La seule chose qui soit plus bruyante que la destruction est la création. C’est un principe selon lequel je vis. Aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin d’art. Aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin d’artistes. Vous êtes singulièrement unique. Vous avez quelque chose à offrir qui ne ressemble à aucun autre. Le monde a besoin de vous et de votre art. Mais pour partager votre art, pour libérer votre expression, vous devez d’abord vous connecter à vous-même, à vous-même.

Tu peux. Vous serez. Vous avez ça.

Consommer. Créer. Expérience. Tous les jours, ou aussi souvent que possible.

Équipement : talent artistique versus acquisition

Expérimenter, Pour Innover, Acquérir, Pour Solidifier

Les artistes créeront, avec tout ce qu’ils ont sous la main. Les techniciens sont liés à leurs outils et procédures. Lorsque la créativité et l’ingéniosité règnent en maître, on peut faire tant de choses avec si peu.

Dans notre forme d’art, dans notre industrie, on nous fait trop souvent croire que nous sommes limités par les détails de notre kit. Bien trop souvent, on nous fait croire que l’acquisition de biens est plus pertinente et essentielle que l’acquisition de connaissances, le perfectionnement des compétences et la maîtrise de la technique.

Le meilleur investissement que nous puissions faire est en nous-mêmes. Les connaissances et les compétences n'ont pas de prix. Affinez votre métier, découvrez votre voix, connectez-vous avec l'artiste qui sommeille en vous ; les outils ne sont qu’un moyen pour parvenir à une fin. Vous êtes le créateur et le canal d’expression. Tout le reste n’est qu’une extension de vous.

Cela étant dit, dans la mesure du possible, il est idéal de sélectionner le bon outil pour le bon travail. Voici mes recommandations pour l'autoportraitiste en plein essor :.

Recommandations d'équipement

Support en L : chose à 3 pattes | Support en L universel

Trépied : Trépied Tiffen en fibre de carbone

Éclairage | Stroboscopes : Flashpoint XPLOR 600 HSS | Point litigieux eVOLV 200 

Éclairage | Modificateurs : Glow EZ Lock 60" Octabox | Parapluie Glow EZ Lock de 51 po de profondeur en argent perlé | Réflecteur Glow 70°

Appareil photo : Kit Sony A7RIV | Pack Sony A7III

Objectifs : Rokinon 45 1,8 AF | Rokinon 85 1.4 AF | SigmaART35 1.4

Déclencheurs/applications : émetteur Flashpoint R2 Pro | Déclencheur sans fil Alzo (si l'application n'est pas disponible) | Sony Imaging Edge

Auxiliaire/Accessoires : Outils d'attache | Câble d'attache

90 jours de contenu

Au cours des 90 prochains jours, nous allons travailler avec certains des meilleurs artistes pour explorer des recommandations vous apportant des solutions aux problèmes que nous avons tous rencontrés. Nous payons aux rédacteurs un salaire vraiment équitable pour chaque article original et nous écrivons sur des sujets qui ne sont sponsorisés par aucune marque. Il n’y a personne d’autre que notre opinion derrière cela. Nous serions ravis que vous utilisiez nos liens d’affiliation ici afin que nous puissions continuer à écrire des articles géniaux auxquels vous pouvez faire confiance.