Approche

Il existe différentes approches pour créer un portrait conceptuel. La logique sonore vous dira de planifier votre concept avant le tournage et de le faire de manière aussi détaillée que possible. Cela vous permettra de définir l'ambiance, de planifier la palette de couleurs, de repérer les lieux, de rassembler les accessoires, etc. afin que tous ces éléments travaillent en harmonie vers le concept défini.

Pour ce shooting, j'ai eu le luxe d'avoir une liberté de création bien plus grande que mes commandes habituelles. Je suis entré dans la séance sans concept prédéfini en tête. La seule attente prédéfinie était de livrer *un * portrait conceptuel. Le couple avait une confiance totale dans le processus et ne s'imposait aucun thème.

Tournage

Le tournage devait avoir lieu sur place. Cela permet généralement aux sujets d'être plus à l'aise, surtout si le tournage a lieu chez eux - ce qui était le cas pour ce couple.

J'ai commencé ce tournage par un bref dialogue avec le couple pour mieux les connaître. C'est toujours une partie importante de toute séance que je photographie. Cela met les sujets à l'aise, me permet de mieux les connaître et d'étudier aussi bien leur expressivité que leur chimie. Nous avons discuté des directions à explorer au cours de la séance, et leur souhait était de mettre en valeur la romance avec une touche de sensualité.

Puisque le résultat attendu était une image conceptuelle qui allait être travaillée en post-traitement, les lieux et l'arrière-plan n'avaient pas beaucoup d'importance tout au long du tournage. Je cherchais simplement des arrière-plans neutres qui pourraient être facilement modifiés dans Photoshop si besoin était.

Nous avons commencé la séance dans le confort du salon avec quelques portraits « standards » pour briser la glace, et avons progressé vers les portraits destinés à l'image conceptuelle.

L'image finale a été prise avec le couple allongé sur leur lit. J'étais debout sur un tabouret juste au-dessus d'eux. Je les ai éclairés avec un Godox AD600 filmé à travers une octabox Westcott de 42 pouces sur la gauche de l'appareil photo, inclinée vers le bas vers les sujets.

Afin d'illustrer l'état matrimonial du couple, j'ai pris soin d'incorporer leurs mains avec les bagues dans le portrait.

Abattage

Lors de tournages d’art conceptuel, le processus de sélection est à la fois simple et subtil. Vous savez tout de suite quelle scène/pose est la gagnante – elle vous parle instantanément. Il est donc facile de supprimer rapidement des ensembles entiers d’images.

Mais une fois qu’on se retrouve avec l’ensemble des captures de la scène choisie, cela devient tout à coup très subtil. Il s'agit de trouver *la* capture parfaite avec les expressions parfaites, le langage corporel parfait, les placements parfaits des mains, etc.

Sur ce tournage particulier, j'ai pu trouver une seule capture où j'étais satisfait de tous ces éléments. Cependant, il peut arriver que l’expression parfaite se trouve sur une photo et que les mains parfaites se trouvent sur une autre. Je ne suis pas un puriste, donc je n'ai pas peur de composer différents éléments si besoin est, mais ce n'était pas nécessaire pour ce tournage.

J'aime utiliser Photo Mechanic dans mon sélection pour passer rapidement d'une variation subtile à l'autre afin de choisir mes favoris.

Capturez-en un

Capture One fait partie intégrante de mon flux de travail. Bien sûr, vous pouvez probablement obtenir des résultats similaires en utilisant vos outils préférés tels que Lightroom ou Adobe Camera Raw. Mais j'aime juste les outils légèrement différents dont je dispose dans Capture One, en particulier ceux pour le contrôle des couleurs. Je trouve également que Capture One me permet de pousser mes fichiers RAW légèrement plus extrêmes avec des sorties plus nettes que ce que je suis personnellement capable d'obtenir avec d'autres outils.

Les principaux problèmes de la capture RAW étaient la perte de détails dans les ombres et les incohérences des tons chair. Les modifications sont résumées dans les captures d'écran ci-dessous.

Vous trouverez ci-dessous un examen plus approfondi des principaux domaines dans lesquels les changements sont les plus visibles. Remarquez les détails récupérés dans les cheveux et les tons chair plus uniformes.

Retouche

Vous remarquerez que les retouches à chacune de ces étapes sont très subtiles, parfois à peine perceptibles sur une petite capture d'écran, et c'est vraiment la clé ici. La somme de changements subtils constitue un changement radical.

Chaîne de marionnettes

J'ai commencé le processus de retouche en peaufinant la pose du couple à l'aide de Puppet Warp de Photoshop. L'objectif principal est d'ajouter du dynamisme et d'améliorer l'ambiance sensuelle de l'image.

Clonage

J'ai cloné certaines feuilles pour ajouter un peu de fluidité à l'image et masquer la main tendue.

Correction de la peau

J’ai principalement égalisé les problèmes de densité des couleurs, nettoyé certaines rides du front et amélioré la cohérence du teint. J'ai utilisé un mélange de pinceau de guérison, d'outil de tampon, de masque de dégradé en mode de fusion des couleurs et de séparation de fréquence pour y parvenir.

Esquiver et brûler

J'ai fait quelques légers esquives et brûlures pour définir les pectoraux et donner globalement un peu plus de profondeur aux sujets. Voici le résultat.

Concept

J'ai défini et affiné le concept tout au long du processus de retouche. Comme mentionné, vous devriez idéalement définir le concept avant même le début du tournage. Mais pour les raisons évoquées ci-dessus, j'avais une certaine liberté de création qui m'a permis de définir et d'affiner mon concept tout au long des étapes ultérieures.

Le dictionnaire définit le « concept » comme une idée abstraite ou générique généralisée à partir d’instances particulières. J'ai choisi de raconter l'idée générique de l'amour à partir de l'instance particulière de ce moment.

Illustrer « l’amour » dans un portrait est un chemin assez battu. Presque tous les portraits de couple visent à faire ceci et seulement cela ! Donc, pour amener ce portrait au niveau supérieur, il fallait une certaine valeur artistique. Il n'y a pas d'autre moyen d'atteindre cette étape cruciale que de s'immerger dans l'art et l'histoire de l'art (et attention : c'est un voyage continu et sans fin).

La façon dont je peux simplifier à l’excès ce concept est qu’une œuvre d’art consiste à équilibrer les éléments avec leurs opposés contrastés. Par exemple, Michel-Ange a utilisé le contraste de la peau lisse avec le tissu texturé dans sa célèbre Pieta. De même, la peau lisse des sujets de ce portrait contraste avec les draps froissés de la photo originale.

Le portrait a été réalisé avec des draps gris quelque peu neutres. Cela permettait de les colorer facilement dans une couleur différente. J'ai choisi de les rendre rouges pour symboliser la passion et mettre en valeur le concept principal de l'amour. J'ai utilisé un calque de réglage Teinte/Saturation en mode « coloriser » avec les paramètres ci-dessous pour colorer les feuilles.

Composition

Je voulais rehausser davantage l'image en incorporant des éléments contrastés supplémentaires. J'ai d'abord expérimenté en contrastant la masculinité des sujets avec la douceur des fleurs. Pour donner un côté plus pictural à l'image, j'ai simplement utilisé des peintures de fleurs ! Des tableaux de maîtres anciens libres de droits provenant de musées, pour être précis.

J'ai ensuite essayé de contraster le thème principal de l'Amour. La composition globale et le placement du sujet ne faisaient pas du tout allusion à une peinture de la Renaissance en eux-mêmes. Mais d’une manière ou d’une autre, l’image globale commençait à ressembler à une peinture de la Renaissance, du moins pour moi.

Je voulais continuer à pousser dans cette direction et j'ai décidé d'introduire le symbole biblique d'un serpent pour ajouter un peu de tension au thème principal. C'était une photo que j'avais prise il y a plus de 10 ans au zoo local.

Après avoir fait correspondre la densité et les couleurs de cette ancienne photo avec les calques de réglage Courbes, j'ai ajouté le serpent dans le coin, pointé directement vers le centre.

Dégradé de couleurs

La dernière étape pour compléter le concept et apporter de la cohésion est l’étalonnage des couleurs. J'ai opté pour la palette de couleurs ci-dessous et j'ai poussé les teintes et la saturation pour neutraliser les autres couleurs.

Dans l’ensemble, l’image présente un schéma analogue, comme cela devient évident lorsque les couleurs dominantes sont visualisées sur une roue chromatique.

… Et un titre !

Cette étape est essentielle car elle donne simplement du sens à l’ensemble de la pièce et lui insuffle de la vie. Un titre place le spectateur sur un certain chemin et un certain état d'esprit pour commencer à explorer l'image.

J'ai choisi de titrer cette image « Pardonne-moi Père, car j'ai aimé » pour souligner la tension créée par les différents éléments de l'image.

Avec tous ces éléments réunis, voici ce que j'ai obtenu :

Ara Hagopian est maître photographe WPPI et leader de Badger Photography, un studio primé basé à Montréal. Il a écrit ce billet de blog et toutes les images sont partagées avec sa permission.