El conjunto como Exposición-Cinematic es más que iluminación

junio 17, 2020

The Set as Exposition - Cinematic is More Than Lighting

A los fotógrafos les encanta hablar de imágenes cinematográficas y formas de lograrlo. Por lo general, cuando se producen estas discusiones, el foco tiende a estar en las técnicas de iluminación o post-producción, como el cultivo o la clasificación de color. Rara vez, sin embargo, discutimos las técnicas de preproducción y producción utilizadas por los cineastas para crear los mundos y personajes que tanto nos cautivan en la gran pantalla.

Mi objetivo, en esta serie de artículos, es abrir la caja de herramientas del cineasta y proporcionarle los medios para lograr mejor el objetivo de crear un trabajo narrativo fuerte. Hoy vamos a tomar algún tiempo para discutir la fotografía cinematográfica en términos de Dirección de Arte, Diseño de Producción, y crear un conjunto que no sólo es visualmente interesante, sino que sirve como un marco expositivo para su historia.

La importancia de la historia

Si la historia es la base de cualquier obra narrativa, la dirección del arte es el andamiaje que permite construir esa historia. Tan crítica es la dirección del arte al proceso de hacer cine, un director de arte es a menudo traído a bordo antes de que un director incluso ha sido elegido. Entonces, ¿quién es el Director de Arte, y por qué son tan importantes?

A diferencia de una novela, que podría dedicar cientos de páginas a describir el mundo que habitan sus personajes, un guión, como resulta, es una herramienta de narración increíblemente magra. El único enfoque de un script son los elementos principales del arco de la historia y las interacciones verbales entre los personajes que hacen que esa historia sea posible-e incluso eso es fungible al servicio de la historia.

Mientras que los scripts de aficionados a menudo discuten visuales, los scripts profesionales rara vez lo hacen. En cambio, es el trabajo del Director de Arte crear, y representar visualmente, el mundo en el que se desarrolla la historia. Esto es cierto si estamos hablando de una franquicia de ciencia ficción taquillera o de una pequeña película indie. No importa si la historia se cuenta sobre un vasto universo interestelar o en un solo apartamento de Manhattan; el Director de Arte debe considerar cuidadosamente cada elemento que existe en el marco.

Todo lo que se ve, por muy pequeño que sea, está ahí por una razón, su propósito ha sido pensado por un director de arte; su forma ha sido diseñada por un diseñador de producción y el propio objeto físico elaborado por una miríada de trabajadores de la producción. Nada de lo que se ve en ningún marco de ninguna película se ha colocado allí por casualidad.

Don't Say it, Show it

La atención del Director de Arte a los detalles de los conjuntos, el vestuario y los accesorios es parte integral del proceso de narración. Donde una novela puede tomar muchas páginas para decirnos lo que está pasando, ese diálogo mucho expositivo hace para una película aburrida.

Los mejores cineastas, en cambio, optan por mostrar, en lugar de contar, aquello que se puede presentar visualmente. A veces esto es muy directo, destinado a transmitir algo muy específico en un punto particular de la historia, otras veces es crear un estado de ánimo general para el espectador.

Imagina la siguiente escena: Nuestro intrépido héroe está sentado en un sofá solo en un pequeño apartamento cuando suena el teléfono. Él lo responde y de inmediato sabemos que es su hermana llamando. Procede a pasar el siguiente minuto de tiempo de pantalla rehashing how his wife left him, taking the kids with her. Luego pasa otro minuto de precioso tiempo de pantalla diciéndole lo deprimido que es por ello. Por último, pasa un tercer minuto sobre la razón por la que llamó (la trama real de la historia).

Esos primeros dos minutos de conversación fueron completamente innecesarios desde la perspectiva de la hermana del personaje. Él realmente no estaba hablando con ella; él estaba hablando con nosotros, los espectadores, trayéndonos a la velocidad en su carácter y su estado mental. Esto es lo que se conoce como exposición y, en este caso, se le dedicaron dos minutos de tiempo de pantalla y se entregó de la manera más aburrida posible.

Veamos de nuevo esta escena, pero en lugar de que nuestro héroe simplemente coja el teléfono y hablando, lo vemos apresurándose a abrir la puerta de su apartamento para responder el sonado teléfono. Como la cámara le sigue, vemos que su apartamento está en desorden. Está desaliñado y obviamente falta mucho de lo que estaba en él. Por la decoración de lo que queda, es obvio que esto no es algo de crianza de soltero, esta era la casa de una familia que no es más.

Cuando el personaje coge el teléfono y comienza su diálogo con su hermana, no se molesta en contarnos sobre la ruptura, o que su esposa se llevó a los niños, se pone justo al punto mientras, al mismo tiempo, la cámara nos muestra elementos expositivos que nos informan, visualmente, de su pasado reciente y de su estado mental actual. De esta manera, el set cuidadosamente elaborado sirve como exposición.

Importancia en la fotografía

El uso del conjunto como exposición es aún más importante en la fotografía narrativa. Mientras que el cineasta tiene tiempo y diálogo para trabajar, además de visuales; el fotógrafo todavía tiene una sola imagen. Incluso cuando se dispara una serie cohesiva, sólo se nos presentan fragmentos de código, por lo general un disparo por "escena", de la historia general.

La compresión de nuestra capacidad de contar historias en un solo marco requiere una cierta eficiencia. Entonces, ¿cómo vamos a lograrlo?

Paso 1: Desarrollo de scripts y caracteres

Sí, incluso los photohoots deben tener un guión. No, no necesita ser formateado como un guión de película, pero sí necesita describir de manera efectiva la historia que se está contando. Esto es útil no sólo para cristalizar su visión en su propia mente, sino para comunicar su visión a los demás.

Una vez que tengas una buena descripción de lo que vas a disparar, piensa en quién vas a estar disparando. Si usted está disparando un retrato de una persona real, escriba todo lo que sabe o pueda averiguar acerca de esa persona y luego destilar esta descripción de carácter hasta la esencia en la que se va a enfocar.

Si está disparando un personaje imaginado, ya sea como una pieza de cartera, una pieza de arte fino o una pieza de publicidad, escriba una descripción de carácter completa con backstory. Si bien este backstory puede o no ser parte de su interacción con el talento, sin duda será importante a la hora de pensar en su conjunto.

Volvamos a ver nuestro ejemplo anterior. ¿Qué hace nuestro tipo para vivir? ¿Cuáles son sus aficiones? ¿Le dejó su esposa porque estaba preocupado con el trabajo? ¿Estaba teniendo un asunto? ¿Fue ella?

Si su personaje es un corredor de bolsa estereotípico, tipo alfa masculino, que estaba teniendo un romance con una mujer más joven cuando su esposa de trofeo un poco más antigua lo dejó, el conjunto que creamos sería muy diferente a si fuera un trabajador de la fábrica de trabajo cuya esposa lo dejó porque no le estaba proporcionando la vida que quería.

Paso 2: Creación de las Juntas de Mood

Cada Director de Arte comienza su trabajo investigando a sus personajes y al mundo que habitan. Incluso al crear un universo de fantasía, elementos de otras historias, arte, cine, historia y eventos actuales juegan un papel en la creación de sus sets.

De nuevo, usando el ejemplo anterior, si nuestro héroe es un corredor de bolsa alfa macho, ¿qué significa eso? ¿Cómo vive esa persona? Claro, puedes intentar crearlo a partir de tela entera, sin embargo, los resultados pueden ser menos que auténticos. Incluso si no vas a por pura autenticidad, tener elementos que leen correctamente es importante si quieres el conjunto que estás creando para tener un impacto expositivo.

Tómese el tiempo para investigar a sus personajes usando todas las herramientas que Internet nos proporciona tan amablemente. Busca escenas de películas que te inspiren, mira catálogos de muebles, cualquier cosa que pueda inspirar tu visión. Las imágenes de referencia que recoge se convierten en tablas de ánimo que guiarán el diseño de su conjunto.

Si bien puede tener un tablero de estado de ánimo para el tiro general, es posible que tenga un tablero de humor adicional para el conjunto y otro para el personaje (armario, pelo, maquillaje, accesorios).

Ambos personajes pueden tener los restos de comida que se ha entregado, pero el corredor de bolsa probablemente tiene diferentes opciones culinarias disponibles que el trabajador de la fábrica de trabajo. Si nuestro set está destinado a demostrar que el personaje ha estado bebiendo mucho durante los últimos días, uno podría estar bebiendo una Scotch premium mientras que el otro está ahogando sus penas en cerveza barata.

Paso 3: Diseño Sin Límites

Es importante en esta etapa crear una versión ideal de su conjunto. Este no es el momento de preocuparse acerca de lo práctico que será su conjunto para crear o cuánto realmente la construcción costará-habrá mucho tiempo para eso más tarde. Ahora mismo el objetivo es diseñar el set perfecto en papel.

Si su historia tiene lugar en un salón, comience con la estructura. ¿Cuáles son el tamaño y la forma? ¿Las paredes están pintadas o en pared? ¿Hay detalles arquitectónicos? ¿Está la habitación llena de luz brillante a través de grandes ventanas, o es oscura y deprimente con muy poca luz natural? ¿El suelo es de madera dura con alfombras de área o alfombrado? Una vez más, utilice sus fotos de referencia como guía.

De ahí pasar a los siguientes elementos más grandes como muebles, gabinetes, etc. ¿Dónde está tu tienda de personajes? ¿Dónde hizo su esposa? ¿Era el diseñador en la familia o era su esposa?

Lo más importante, para la escena que hemos estado describiendo, ¿qué falta? Tal vez la esposa tomó su sofá favorito, cuyo contorno se puede ver en contra de la alfombra de sol desvanecida que lo rodea-reemplazado, por ahora, por una silla de césped.

Una vez que los elementos grandes han sido elegidos, pasar a los elementos más pequeños que añaden detalles al entorno de un personaje-un cenicero desbordado, ropa que puede ser esparcida sobre, vajilla, botellas, fotos familiares, libros, etc. Considere cada elemento y si no contribuye a la narrativa, reemplácelo, o elimínelo completamente de su diseño.

Paso 4: El arte de la negociación y el diseño de producción

Hasta ahora, has usado dos sombreros, el de Screenwriter y Art Director. Ahora es el momento de recoger un tercio, el sombrero del Productor. Si bien es el trabajo del Director de Arte crear el mundo perfecto, es el trabajo del Productor decir "No, no podemos permitirnos eso". ¡Esto es cuando comienza la verdadera creatividad del departamento de arte!

Después de todo, la objeción no es para el diseño, es para el costo, así que ¿cómo creamos algo que se ve igual de bueno en el cine como lo hace en la vida real a una fracción del costo?

Ahora es el momento de recoger su cuarto sombrero, el del diseñador de producción.

Es el trabajo del Diseñador de Producción hacer de manifiesto la visión creada por el director de arte. Esto podría significar el abastecimiento de un objeto barato a través de Craigslist y pasar un poco de tiempo para hacerlo "pantalla listo", o podría significar encontrar una manera de pedir prestado uno o alquilarlo barato.

Si es un elemento que existe sólo en la imaginación de los directores de arte, entonces podría significar encontrar pedacitos y piezas en una ferretería o yarda que, con un poco de grasa del codo y algo de pintura en aerosol, se puede hacer en un facsímil razonable del objeto que se verá muy bien en la fotografía.

Si su sala de estar absolutamente debe tener una pared de piedra, un poco de investigación le mostrará cómo hacer uno por sólo unos pocos dólares usando el aislamiento de espuma y pintura. Mientras que crear paredes reales para una casa real puede ser un poco costoso, la construcción de pisos de teatro reutilizables cuesta muy poco.

¿Y si no eres un fabricante por naturaleza, te preguntas? ¡No hay problema! No importa donde vivas, te garantizo que hay una empresa de teatro amateur y alguien en esa compañía de teatro sí establece diseño. Crear conjuntos hermosos de relativamente poco es exactamente lo que les encanta hacer a estas personas!

¡Encontrar a una persona así y conseguirlas en tu equipo! Si usted no está haciendo trabajo de cliente y simplemente está haciendo desarrollo de cartera o creando arte personal, es posible que se sorprenda de cuántas personas estarán dispuestos a ayudar por poco más que una buena pizza y cerveza, especialmente si llegan a añadir su creatividad a la mezcla.

Paso 5: Y Entonces Había Luz

El punto de este artículo es demostrar que un conjunto es más que un lugar para que los personajes interactúen, es, en un sentido, un carácter para sí mismo. Con demasiada frecuencia veo a los fotógrafos tomar fotos de talento bien iluminado en conjuntos que carecen de la misma atención iluminativa.

Con suerte, usted ha construido su conjunto lo suficientemente temprano que usted tiene algún tiempo entre la construcción de ella y su rodaje. Esta vez se debe pasar la prueba de iluminación. Al igual que cada puntal que existe en el marco debe contar una historia, así debe la iluminación, pero ¿cómo?

Vuelva al guión que escribió y vuelva a leerlo. Ahora, imagina que tuviste que contar la misma historia exacta, pero sin nadie en el marco-esencialmente convirtiéndolo en una gran fotografía de la vida todavía.

Tenga en cuenta todos los elementos que ha colocado en el marco: la antigua silla de césped sobre el contorno de un sofá de piedra, las latas de cerveza en una pila en la esquina, las viejas cajas de pizza que ensucian el viejo armario que se utiliza como una mesa de café, las fotos todavía colgando en las paredes, y los contornos de los que ya no están allí. Cada uno de estos elementos se convierten en jugadores menores y cómo se enciende el conjunto determinará su importancia.

La iluminación determinará cómo se moverá el ojo del espectador a través de la fotografía; les dirá qué avisar de inmediato y qué encontrar a lo largo del tiempo. Sólo cuando el conjunto de fotografías a la perfección, narrativamente, sin nadie en el marco, entonces usted está listo para comenzar la fotografía principal.

Paso 6: A veces tienes que tomar decisiones difíciles

Felicidades, usted ha estado trabajando diligentemente durante las últimas dos semanas escribiendo, investigando, diseñando, negociando, rediseñando y construyendo, y ahora todo está empezando a unirse.

Usted tiene un conjunto. Tal vez está en un estudio, tal vez está en tu garaje o tal vez está en tu propio salón, cuyos contenidos ahora están apilados en tu dormitorio. De cualquier manera, no importa, uno llega a experimentar la alegría de caminar alrededor en un mundo de su propia creación y eso no es poca cosa.

Vas a estar orgulloso de ello. De hecho, tanto esfuerzo fue para crear cada elemento único del mismo, ahora estás casado con la pura perfección de ello.

Es entonces cuando es el momento de ponerse el sombrero de tu Director y meterlo todo.

Ok, tal vez no todos, pero recuerde, todo en el marco DEBE trabajar para seguir la narrativa visualmente. Si bien pensamos que sabemos cómo funcionará todo esto durante la preproducción, no es hasta que comienzas a probar el set fotográficamente que realmente sabrás si todos los elementos funcionan. A veces lo hacen.

Otras veces, encontrarás que algo en lo que gastaste buen dinero o sudaste durante una semana, algo de lo que estás verdaderamente orgulloso y que REALMENTE quieres en el tiro, simplemente no funciona. Cuando eso suceda ... Bueno, cuando eso pase hay que perderlo. Como un soldado caído, puedes lamentar la pérdida por un momento, pero entonces necesitas seguir adelante.

Lo mismo es cierto para su plan de iluminación cuidadosamente construido. Lo que parecía absolutamente perfecto sin nadie en el marco ahora puede sentirse demasiado ocupado una vez que usted ha encendido su talento. Sombras echadas donde las sombras no deben ser.

Incluso si usted utilizó stand-ins cuando la prueba de iluminación de su conjunto para asegurarse de que todas las luces funcionaron como un plan de iluminación coherente que ayudó a la historia, una vez que usted consigue su talento real en el set y comenzar a trabajar con ellos, la iluminación probablemente cambiará o por lo menos, necesita ser más controlada.

Al final del día, lo único que importa es el resultado final. No dejes que el ego se ponga en el camino de un tiro perfecto.

Paso 7: Pop Abierto la Champagne!

¡Tanto trabajo duro se hizo, hay que celebrar! Tal vez lo hiciste todo tú mismo, pero, si realmente estás trabajando para crear las imágenes más cinematográficas posibles, probablemente no lo hiciste. Probablemente trabajaste con un equipo de gente de tu persona de armario, a tu gente de cabello y maquillaje, a tu amigo con las herramientas geniales que te ayudaron a construir el conjunto a tu talento.

Todo el mundo trabajó duro y todo el mundo necesita saber cuánto se aprecia su trabajo duro.

Yo mismo, siempre termino un rodaje con una botella de burbujeo. No, no siempre es lo bueno, pero a nadie le importa, al igual que los espectadores de su fotografía no le importará que el volcán en su tiro esté hecho de alambre de pollo y Plaster de París.

Al final del día, lo único que importa es que se juntaron para participar en una actividad, por encima de todas las demás, que nos hace exclusivamente humanos ", dijiste una historia.

Fotógrafo y artista CGI, la capacidad de narración visual de Matthew Cherry tiene la capacidad de intrigar, deleitar e inspirar al espectador mientras se fusionan arte, teatro y fotografía. Su dramático uso de la iluminación construye profundidad y un rico paladar que crea un tono cinematográfico dentro de su trabajo, mientras que los conjuntos detallados y el estilismo pulido exudan glamour y sofisticación.

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