Cómo Tomar Auto Retratos Increíbles

junio 21, 2020

How To Take Amazing Self Portraits

Cómo Tomar Un Autorretrato

Cómo hacer frente a la creación

En verdad, tomar un autorretrato es tan sencillo como puede ser; te colocas, en algún lugar del marco, y disparas el obturador de la cámara, por cualquier medio. Eso es todo, estás hecho.

Sin embargo, crear un autorretrato que tenga sustancia, profundidad, contexto y significado es otra historia completamente. Ya que has buscado un artículo sobre el auto-retrato, voy a saltar y asumir que quieres crear una fotografía fantástica-una donde tú, el fotógrafo, eres el tema.

Mientras haya habido artistas, ha habido autorretratos. Ellos son una herramienta esencial para conectarse al yo creativo de uno y fomentar una mayor conciencia y aprecio por lo que es estar en el otro lado de la cámara.

Durante ese proceso de conexión y descubrimiento, nosotros-los fotógrafos-estamos inevitablemente obligados a confrontar alguna medida de miedo, incomodidad y aprensión, todo natural y razonable, dado que estamos participando en un poderoso acto de vulnerabilidad.

La vulnerabilidad es un vaso de evolución artística y un conducto para el desarrollo creativo. El tema de la vulnerabilidad está mucho más allá del alcance de este artículo; sin embargo, es un componente notable y necesario del viaje de cada artista hacia sus respectivos sueños, metas y aspiraciones.

El método, la técnica y el enfoque varían en gran medida, dependiendo de qué tipo de retrato tenga la intención de producir, y de lo que tiene disponible hasta el final de esa producción. Baste decir, sin embargo, el ingenio y la inventiva permitirán una mayor cantidad de posibilidades que el equipo de alta gama solo.

Estoy escribiendo este artículo porque creo firmemente en el poder, la profundidad y la necesidad de auto-retrato para todos los fotógrafos-especialmente aquellos que fotografían a la gente. Para mí, los autorretratos han demostrado ser un acto de amor propio, aprecio y gratitud. Cada sesión me ha empoderado para conectarme conmigo mismo y con mi arte, a un grado asombroso.

Además, al abrazar la vulnerabilidad, y moverse a través del miedo y la ansiedad asociados, he ganado un respeto y admiración más profundo por cualquiera que elija pisar delante de mi lente.

Lo que sigue es una exploración, ciertamente sesgada, de autorretrato. Por el final de este artículo, en caso de durar tanto tiempo, sinceramente espero que no sólo se sienta inspirado sino emocionado de embarcarse en un increíble viaje de autodescubrimiento y crecimiento artístico.

Además, debo añadir una nota: si bien todos los autorretratos son necesariamente una especie de selfie, no todos los selfies son, ellos mismos, autorretratos. Por mi definición, por lo menos. ;)

Por Qué Producir Autorretratos

La Razón Y El Razonamiento Para Fotografiarse

La razón más pragmática y práctica para crear autorretratos es la facilidad logística de acceso. A veces, puede ser extremadamente difícil asegurar un tema, especialmente cuando es para propósitos no relacionados con el proyecto como experimentar con modificadores de iluminación, geles, etc. Cada vez que desee crear, practicar, probar, o cualquier cosa de la clase, usted debe estar disponible!

Con ese fin, el autorretrato permite practicar, experimentar, fallar y refinar sin las cargas de ser observado o sentirse endeudado para producir imágenes finales. Es un creativo libre por todos donde no se prohíben las retenciones, y todo vale. Es un momento para emocionarse, frustrarse, reír, llorar, o posiblemente tener un mini-colapso.

En algún momento, probablemente viajarás, caerás, golpearás algo más, conversarás con un estrobado, o lanzarás un objeto inanimado contra una pared. Quiero decir, nunca he hecho los dos últimos, al menos no en las últimas 24 horas, sino a cada uno de ellos. Lo que ocurre durante las sesiones de autorretrato se queda en sesiones de autorretrato. Al margen de todo, la libertad de jugar creativamente sin expectativas es una verdadera panacea para el desarrollo de habilidades.

Pero, por supuesto, el arte es más que mera técnica. Es una expresión, es individualidad, es una encarnación del artista. Una de las preguntas que los fotógrafos suelen preguntar, especialmente cuando empiezan a tomar la nave más en serio, y dan un pensamiento serio a lo que es que están creando, es cómo desarrollar la estética, o la voz visual.

Mi respuesta a esa pregunta es siempre consumir, crear y experimentar. Consume arte en todas sus formas y toma nota de lo que te compele o te inspira, en términos de luz, sentimiento, colores, texturas, ambiente, encuadre, narrativa, conexión, etc. Deconstruir y reconstruir. Experimentar; emular, recrear, mantener, descartar, agregar, fallar, tener éxito y, en última instancia, evolucionar.

El auto-retrato es un refugio seguro para experimentar y crear. Es un lugar para probar nuevas técnicas, para refinar enfoques fundacionales, para echar fronteras, límites y limitaciones a un lado a favor de lo que podría, podría y será.

Mi estudio, o ubicación, durante estas sesiones, es un lugar para que sea audaz, honesto e inquebrantable en la búsqueda de mi pasión; es un crisol y un catalizador, espacio en el que me permiten soñar, imaginar, imaginar y explorar sin restricciones. Su espacio creativo tiene un potencial similar, si no más significativo, para usted.

Por supuesto, no siempre ha sido así. Cuando empecé a profundizar en el auto-retrato más en serio, fui forjado con miedo y ansiedad. Para mí, entonces, fotografiarme era para magnificar todo lo que estaba luchando contra; auto-odio, dismorfia corporal, síndrome del impostor, y un sentido prevaleciente de inadecuación como artista y fotógrafo.

Enfrentamiento: Miedo Y Vulnerabilidad

Miedo, Ansiedad, Aprensión Y Vulnerabilidad

Sin duda, la queja más común, el conflicto, o la preocupación que encuentro al chatear con compañeros fotógrafos, respecto a los autorretratos, es un malestar intenso. Con frecuencia, esa incomodidad se deriva del miedo y la ansiedad centrados en la vulnerabilidad y la exposición-el tipo que se ve, no la variedad del histograma. Mal juego de palabras, lo sé.

A pesar de los míseros intentos de humor, la incomodidad es a menudo una fuerza de oposición masiva, cuando comienza a experimentar con autorretratos. En términos generales, para la mayoría, estar frente a la cámara, formalmente, es incómodo.

Pareja que generalizada falta de facilidad con iluminación, encuadre, armario, posar, emoción, timing, y otros elementos, tanto tangibles como intangibles, y tienes una receta probada en el tiempo para la angustia.

Para no disminuir, o descartar, los elementos técnicos y de producción, pero esas variables a menudo se inflan para eclipsar aquello que tiene una tendencia a yacer debajo; el miedo y la ansiedad, tanto sobre ser visto y ver el uno mismo. Vulnerabilidad-nos volvemos a encontrar, mi viejo amigo.

En mi humilde opinión, crear un meritorio autorretrato nos exige -el fotógrafo-encarnar un estado de ser que sea transparente y no custodiado.

Mi viaje empezó con mucha cara de pato y mucho retoque. Cuando empecé a crear y compartir autorretratos, con intención y consistencia, rápidamente me di cuenta de que estaba pasando más tiempo procesando y editando esas imágenes que incluso mi trabajo comercial.

Sinceramente, era la apertura de los ojos, el traste, y algo deprimente. Aparentemente, todo lo que podía ver era imperfección: edad, cicatrices, asimetría, físico, altura, proporción, etc. Fue difícil mirarme a mí mismo a través de mi propio lente. Eso fue una profunda realización y una poderosa revelación.

Mientras estaba produciendo autorretratos que eran agradables al ojo y bien recibidos en las redes sociales y en las comunidades en línea, no estaba creando autorretratos que me sintieran significativos. No me sentía bien con las imágenes porque no me sentía como las imágenes eran yo.

Así que, me puse a crear tiros que se sentían bien; empecé a mirarme como si mirara a un cliente. En esencia, decidí elaborar una narrativa a medida para mí como hombre y artista. Me encargué un retrato de mí por nada menos que yo.

De repente, las cosas dieron un giro a lo interesante, y me encontré con el poder de expresar y awash en un sentido casi abrumador de orgullo, satisfacción e inspiración. A través del auto-retrato, pude (re) conectarme conmigo mismo. Puntuando que la última frase hizo que los pequeños pelos se levantara en la parte posterior de mi cuello. Wow.

Este artículo trata de crear increíbles autorretratos; sin embargo, no sobre mi historia. Sin embargo, siento que es necesario compartir fragmentos de mi viaje porque mientras todos caminamos por nuestro propio camino, tendemos a compartir muchos pasos, de una forma u otra.

Mi punto es que el miedo, la ansiedad, la aprensión, la incomodidad, la tensión, la angustia y la lucha son parte del proceso, no sólo de autorretratos sino de arte. La difícil situación del artista está relacionada con el potencial y el poder que nosotros, como artistas, tenemos.

Me gustaría poder compartir algún tipo de fórmula mágica que, de ser seguida a la carta, representaría una ruta de fuego por la tormenta. Sin embargo, no puedo. Lo que puedo decir con certeza es que los inevitables enfrentamientos tienen una inmensa promesa y potencial; que el malestar y la tensión se desvanecerán y serán reemplazados por la facilidad, la expansión creativa y la expresión infinita.

En última instancia, todas las cosas son efímeras. Los sentimientos, los estados de la mente y el ser, y los estados de ánimo pasarán. Mi método, a partir de tarde, ha sido permitir lo que sea que me esté sintiendo y experimentando para lavarme y moverme a través de mí; para respirar. Al crear espacio en mis pulmones, también lo es el espacio creado para los nuevos estados emocionales, y los estados de ser.

El único camino seguro es encontrar tus propias respuestas; al hacerlo, encontrarás partes de ti mismo. Usted puede. Usted lo hará. Tienes esto.

Consumir. Crear. Experimento. Cada día, o con la mayor frecuencia posible.

Consumo: Inspiración Y Aspiración

Inspiración Curativa, Como Un Manantial Aspiracional

Somos increíblemente afortunados de vivir en una época donde casi infinitas cantidades de inspiración están disponibles para nosotros; vastos archivos de brillantez, para cualquiera y cada género de arte, son sólo unos cuantos grifos, clics o deslizar hacia fuera,

En mi opinión, es esencial echar una amplia red al obtener inspiración, ya sea en un nivel macroscópico o para algo más específico como la dirección creativa potencial para un proyecto. Tómese tiempo para alejarse de la fotografía y explorar la pintura, el cine, la escultura, la música, el diseño, la danza y cualquier otra forma de expresión creativa.

Sumérgete en el orden caótico de la naturaleza, así como en las colecciones comisariadas en el museo. Establecer un patrón de búsqueda de inspiración cambiará radicalmente la manera de ver e interactuar con el mundo de maneras emocionantes e inesperadas.

Utilice su dispositivo para recoger y organizar la inspiración; tomar notas o listas de artesanía; crear salas de Pinterest, y explorar los grandes maestros de la pintura. Pero, también, tómese el tiempo para dejar de lado su dispositivo y comprometerse con lo tangible y literal.

Echa un vistazo a los libros de arte de tu biblioteca o pide unos pocos en línea. Busca a compañeros artistas y creadores en tu comunidad. Ofrezca a los que admira una comida, un café o un cóctel a cambio de su tiempo. Abrazar el arte-conectar, al arte, en todas sus formas y formas.

A lo largo del camino, comience a identificar patrones en lo que le mueve, visual, verbal, auditorialmente, y cinestéticamente. ¿Hay colores o sonidos específicos a los que te atraes, ciertas siluetas que no puedes parecer apartadas, elementos temáticos, narrativas o mitologías que te dejan transfijo? Esto es acerca de quién eres, y quién quieres ser, cómo ves el mundo, y cómo deseas que el mundo pueda ser o ser visto; acerca de qué y quién te importa más, y por qué.

En un sentido más dirigido, compile la inspiración para la iluminación, posando y estilizando. Si es posible, explore sus fuentes de inspiración y busque dar más detalles sobre esas conexiones. Antes de empezar a expresar tu estética singularmente única, como artista, empezarás a saber qué es lo que se ve y se siente. Es surrealista y sublime.

Suficiente inspiración; sin embargo, ¡es hora de crear!

Creación: Intención E Ingenio

Técnica, Métodos Y Enfoque.

Antes de adentrarse en el extremo profundo de la técnica, tomemos un momento para abordar el elefante en la habitación. El equipo de alta gama no hace que el fotógrafo de alta gama haga.

Dicho esto, el equipo, las aplicaciones y el software en particular pueden hacer que el proceso creativo sea mucho más eficiente; y, potencialmente, hacer que la creación de arte sea menos pesada y más divertida. En última instancia, estamos limitados sólo por nuestra imaginación y voluntad de pensar fuera de la caja.

Una pregunta que a menudo se plantea en las comunidades digitales y creativas es cómo se debe ir sobre la iluminación de un tema o si el enfoque de iluminación era sólido, práctico, apropiado, bien ejecutado, etc. Estas preguntas, invariablemente, se cumplen con preguntas reactivas como lo que estás tratando de decir, transmitir, o evocar, de qué humor o estética estabas luchando, y-lo más importante-qué piensas, sientes o crees.

Esto reduce al núcleo y revela la intención; la técnica y el enfoque se basan en la intención. Si quieres magnificar la textura, es razonable optar por la luz dura y direccional. Si quieres minimizar la textura, es razonable optar por una luz suave, indirecta y emplumada.

Si quieres que una imagen se sienta retro y fílmica, el grano denso, los colores apagados, y una sutil falta de claridad pueden tener sentido, al editar. Si quieres que una imagen se sienta moderna y comercial, esos mismos elementos probablemente serían inapropiados.

Esa es una de las razones por las que filmamos fervientemente el cine hasta el día de hoy. Y una razón por la que creo que todo el mundo debería! Fuera de estar obsesionado con la magia del cine y la estética analógica en general, ayuda a las fuerzas para ejercer la disciplina y la previsión.

El medio requiere la intención. Al disparar mi Mamiya RB67, sé que solo tengo 10 fotogramas por rollo. Paso el tiempo de lluvia de ideas, en relación con mi tema, el medio ambiente, la luz y la sombra, los colores, las texturas, y similares. Evalúo diferentes posibilidades y decido sobre una mezcla que siento que será la más en línea con mi resultado previsto.

A partir de ahí, medidor la luz, ajuste mis ajustes, polla la persiana, concéntrate en el tema, tome un respiro, y depulse el disparador. Es casi meditativo y tiene una fuerte propensión a inducir un estado de flujo.

Lo siento por ese desvarío en miniatura y a favor del cine. De vuelta a ti.

Así que, este es tu cuento para contar ... ¿Qué quiere decir usted?

Por supuesto, los matices y detalles variarán ampliamente, dependiendo de los detalles de su equipo, ambiente, intención y experiencia. Por ahora, nos centraremos en elementos fundamentales fundamentales.

Elementos esenciales

Usted

¡Yep! Eres increíble y, como tal, eres el elemento más crucial del autorretrato. Sin ti, ni siquiera la luz importa ... Sí, toma un momento apreciar lo increíble que debes ser si la importancia de la luz se predica sobre ti. Yo divagé.

Luz

Sé, lo sé, esto parece un elemento elemental, obvio. Pero, es tan importante que lleva repitiendo, sobre, y sobre, y sobre, y otra vez ... Como fotógrafos, antes de todo, nos comunicamos en el lenguaje de la luz y la sombra; sus proporciones e interacción.

Seamos honestos, sin una fuente de luz, todo lo demás es moot. Al final, la luz es luz; la fuente no es casi tan crucial como sus propiedades. La luz y la sombra harán o romperán su retrato, independientemente de los otros elementos y facetas. Luz natural, luz constante, luz estrobada, o alguna combinación de la misma todo el trabajo bien.

Heck, Paolo Roversi encendió muchas de sus obras maestras sin nada más que Maglites. La magia, o la falta de la misma, es todo en cómo integrar y modificar sus fuentes de luz.

Ahora es un gran momento para hacer referencia, revisar o expandir lo que has compilado como inspiración. Si usted está buscando recrear, emular parcialmente, o simplemente organizar piezas en su propio agregado, explorar esas fuentes!

Un buen punto de partida para evaluar y definir las opciones de iluminación es el estado de ánimo. ¿Se está esforzando por ser brillante y aireado o comprometido con la oscuridad y la malhumorada, el capricho o la aflicción, el triunfo o la tragedia, el aislamiento o la integración? Además, ¿qué es exactamente lo que estás tratando de iluminar; tu rostro o cuerpo completo?

A partir de ahí, determinar si la luz es apropiada para el estado de ánimo y el marco previstos. Si no, ¿por qué? ¿Necesita más o menos luz, sombras más profundas o más ligeras, luz más suave o más dura, etcétera?

Modifique su luz, según sea necesario, hasta que se sienta tan bien como pueda. Sí, hay mucho de lo que se puede hacer en el postprocesamiento, sin duda. Sin embargo, soy de la ilk de que es más eficiente y cumple para conseguir cosas tan cercanas como sea posible en cámara. Eso es sólo mi toma.

Trípode

Si hay un pedazo de equipo que cada autorretratista necesita, es un trípode robusto. De preferencia, uno que ofrece una gran cantidad de rango en términos de altura y ángulos, mientras que es relativamente fácil de ajustar. En un pellizco, puedes colocar tu cámara directamente en un soporte de luz o propríalo precariamente en y contra algo, si te sientes peligroso.

Hablando de ángulos, me gusta ser capaz de disparar tanto marcos verticales como horizontales sin problema. Con ese fin, he encajado mi cámara con una L-Bracket que combina con cualquier placa de montaje Suiza-Arca. Esto me permite cambiar sin esfuerzo entre las variantes de fotograma sin tener que colocar mi cámara de una manera que coloque más estrés en los elementos de soporte y aumenta la probabilidad de que mis herramientas para el sustento se estrellen hasta el suelo.

Aunque usted no tiene que gastar un paquete, este no es un lugar donde su objetivo principal debe ser salvar unos cuantos centavos. ¡Recuerda, este trípode estará apoyando tu cámara y lente! En esa nota, en realidad compruebo mi trípode antes de cada sesión donde se va a utilizar, sólo para asegurarse de que nada es suelto, despojado, o en su defecto.

Asegúrese de que todo está bien asegurado, por favor! He cometido este error en el pasado, y no es muy agradable. :/

Disparador

Por lo tanto, su diseño de iluminación se ve espectacular, y su trípode es tan robusto que apoyaría a King Kong. Bueno. La pregunta se vuelve, ¿cómo dispararás la persiana de tu cámara?

Hay algunas opciones, todas con beneficios y trampas. Algunos tienen mucho más de lo primero que el segundo, para estar seguros.

Temporizador de cámara

Si usted está buscando para conseguir algo de ejercicio durante su sesión, y posiblemente llegar a ser estresado lo suficiente para la edad prematura, esta es una gran opción. Bromeo, pero hasta que hice el salto de Pentax a Sony, este era mi método de go-to. Dado que siempre logré olvidar mi disparador remoto, mi enfoque normalmente conllevaría la configuración de todos los elementos del marco, presionando el obturador-establecido en un temporizador de 10 segundos-y corriendo a través de mi estudio a un lugar designado donde haría mi mejor esfuerzo para golpear una pose intrigante.

La tasa de fracaso era alta, y mi nivel de frustración tendía a desconcertar, pero perseveré y creé algunos retratos increíbles.

Desencadenante remoto

Si tu marco no pasa por incluir tus manos, esta es una opción ingeniosa. La ventaja significativa de este enfoque es que no tienes que esprint de la cámara a tu lugar en particular, y puedes disparar tantos marcos como te gustaría, ya que ajustar los ángulos, posando, micro-expresiones, etc

El inconveniente es que no sabes cómo son tus marcos, ya que actives secuencialmente la persiana. Usted puede terminar con 20 cuadros todos por igual borroso y askew si usted no está comprobando su trabajo con regularidad.

Desencadenante remoto con temporizador

Esta opción permite una gran cantidad de levedad en términos de posicionamiento, posando, etc. Me gusta emparejar un disparador remoto con un temporizador corto de 3-5 segundos. Al hacerlo, me permite desencadenar el cronómetro y aún así tener unos momentos para asentarse en una postura o expresión.

Aplicación móvil

En mi humilde opinión, este es el Santo Grial de todos los enfoques. Solo puedo hablar con la aplicación Imaging Edge de Sony, ya que no tengo mucha experiencia con las aplicaciones móviles de otras marcas.

La aplicación Sony me permite conectarme a mi cámara a través de WiFi y ofrece un punto de vista en tiempo real como si estuviera mirando la pantalla desde detrás de la cámara. Esto me permite enmarcar y posarme sin tener que disparar un montón de tiros de prueba.

Además, puedo cambiar la configuración de la cámara directamente desde la aplicación, así que si quiero más o menos luz, en el estudio, es tan fácil como abrir o cerrar la abertura. Igual de importante, y discutido en mayor detalle momentáneamente, es que la aplicación me permite confirmar el enfoque antes de activar el obturador. ¡Es una maldita magia!

Atar

Este es otro método que he utilizado con éxito. Emparejado con Capture One, siempre y cuando su cámara sea compatible, esta es una excelente opción. Puede colocar un ordenador portátil sólo del marco y usar C1 para no sólo comprueban su enmarcación, foco, luz, etc. sino también directamente controlan los ajustes de su cámara, y remotamente provocan la cámara

Si estuviera usando un sistema de cámara que no ofreciera una aplicación viable, esta sería mi mejor opción, sin duda.

Enfoque

Una de las consultas más comunes que recibo con respecto a mis autorretratos gira en torno a cómo logro enfocarme apropiadamente y producir imágenes nítidas. Habiendo usado cámaras con, posiblemente, el peor y mejor autofoco, relativo a la clase, para autorretratos, mi respuesta es un poco divergente.

Cuando estaba disparando Pentax, mi método era cambiar a enfoque manual, utilizar la capacidad de enfoque de la pantalla de visualización y pre-enfoque en un área definida. Eso podría haber sido una silla, maniquí, telón de fondo, pila de libros, o cualquier otra cosa fue, o podría ser colocado, más cerca del lugar relevante. Este método funciona mejor con aperturas menores que f/5.6, para mayor levidad en el plano focal.

Ahora que estoy disparando a Sony, casi me siento como si estuviera engañando, para ser honesto. La aplicación, combinada con el eye-AF de Sony y el seguimiento en tiempo real, es casi infalible. Una vez que estoy en posición, simplemente presiono el botón de obturación de la aplicación para establecer o confirmar el enfoque y la liberación. Eso es todo, de verdad.

Aquí es donde todos van a tener un método diferente; relativo a su fabricante y modelo de cámara. Si tienes una opción para una aplicación funcional, esa es tu opción. De lo contrario, si su cámara ofrece cualquier tipo de seguimiento de ojos o sujetos, puede explorar si esas características son compatibles con el desencadenamiento remoto y la función de temporizador. Si todo lo demás falla, ir a la vieja escuela, manualmente pre-enfoque, y deleite en su badassery!

Simplicidad

Soy un ardiente creyente en el viejo adagio afirmando que la simplicidad es sinónimo de elegancia. K.I.S.S. (Keep It Simple Tonto - esa es mi interpretación, al menos.) Tengo una inclinación por hacer las cosas más complicadas de lo que deberían ser, y sé que no estoy solo en ese sentido.

Especialmente cuando empiece, concéntrese en mantener todo lo más simple y sencillo posible. A medida que explora, experimenta y comienza a definir su arsenal de técnica y flujo de trabajo, agregue elementos según se justifique.

Variables

Guardarropa

¿Qué ponerte? Una de las mejores reflexiones para aquellos a punto de autorretratarse. Como con todas las facetas que hemos explorado hasta ahora, no hay una respuesta correcta o incorrecta. ¿Su sesión de autorretrato es cada día o algo menos típico? ¿Tienes inspiración definitiva; si no, ¿ha decidido una ubicación, estilo de iluminación, tema, etc.?

Como fotógrafo editorial y de moda, el vestuario es de suma importancia para mí. A veces, construyo detalles de una sesión alrededor del armario. Otras veces, atiendo el estilo a los detalles de la sesión. De cualquier manera puede funcionar excepcionalmente bien.

Además, dos palabras: Tienda de segunda mano. Seriamente. Casi todo lo que he usado en autorretratos provino de tiendas de segunda mano en mi área. Una vez más, este es un área donde la inspiración juega un papel significativo. Si usted tiene algunas ideas en mente, antes de visitar una tienda de segunda mano, o cualquier lugar para la fuente de ropa, usted tendrá una probabilidad mucho mayor de encontrar piezas apropiadas. ¡Cura tu visión!

Ambiente

Esto podría ser en interiores o exteriores, naturaleza o industrial, un estudio o un parque. Dado que paso la mayor parte de mi tiempo en el estudio, ese ambiente es más cómodo para mí. Su kilometraje puede variar.

A partir de ahí, recomendaría empezar por dentro, si fuera posible, para evitar enfrentarme a elementos como el viento y lo que sea. Los autorretratos superlativos se han creado en sótanos dank, apartamentos estrechos y puertos áridos. No permita que la ubicación dicte su visión.

Planteamiento

Posar es todo acerca de la conciencia corporal. La conciencia corporal proviene de la práctica consciente. Cualquier actividad que te traiga a tu cuerpo son ases en mi libro. Miro a bailarines entrenados clásicamente como el ápice de este tipo de conciencia.

Una forma garantizada de mejorar tu postura es pararte frente a un espejo y practicar - adivina qué - ¡posando! Sé que suena simple y tonto, pero es demasiado cierto. Enfócate en tu forma como un dibujo gestual; deconstruirse en formas y líneas. Piense en términos de curvas, triángulos y elementos paralelos.

No solo te centrarás en posar para mejorar enormemente tus autorretratos, sino que también te envalentonará con una habilidad increíble para dirigir a aquellos a quienes estás fotografiando. Una habilidad muy valiosa para sí misma.

Expresión

Uno de los aspectos más críticos de la expresión es si se alinea o no con la pose y la postura. Cohesión es el nombre del juego cuando se trata de crear algo visualmente intrigante. Sí, lo sé, la disonancia también se puede usar eficazmente, pero ese es un tema para otro día y otro artículo verboso.

En cuanto a la expresión, en cuanto se refiere al autorretrato, normalmente me dirijo como si fuera un actor; Busco experiencia, memoria y asociación, en relación con todo lo que estoy tratando de transmitir. De esa manera, el estado de ánimo o estado se encuentra con mucho más auténtico y significativo.

Disparos a anglos

Es demasiado fácil quedarse atascado usando perspectivas lineales muy genéricas al disparar autorretratos. Soy un gran fan de disparar de bajo a alto, así como la implementación creativa de la distorsión presente en lentes de ángulo ancho (r).

Este es un lugar privilegiado para probar y empujar los límites. Las películas, y la cinematografía en general, es una excelente fuente de inspiración en este frente; y un punto de partida sólido para la experimentación.

Enmarcado y recorte

Sí, hay muchas reglas y pautas usualmente seguidas con respecto a la composición, el recorte, y similares. La cosa es, sin embargo, que las reglas están hechas para ser rotas. No tenga miedo de dejar una tonelada de espacio negativo cerca de los bordes del marco, o cosechar en un retrato a justo por encima de la frente y por debajo de la barbilla.

Esta variable está muy asociada con su intención; ¿Qué estás tratando de decir? Si se trata de proximidad e intimidad, un cultivo apretado con un enfoque en los ojos puede funcionar bien; mientras que si se trata de la soledad y el aislamiento, una amplia (r) toma ambiental donde usted toma sólo una pequeña porción del marco puede transmitir mejor ese concepto.

Experimento. Experimento. Experimento.

Ahora que estamos creando autorretratos, ¿cómo hacemos para participar en una evaluación honesta y una crítica constructiva?

Evaluación: Celebrar y criticar

Revisión en serio mientras se combate la perspectiva-sesgo

Sé que el odio es una palabra fuerte, pero me siento razonablemente seguro al afirmar que, especialmente al principio, vas a odiar muchos marcos. A menos que hayas pasado un tiempo decente frente a la cámara, te llevará un poco llegar a un punto en el que te sientas realmente cómodo. Hasta ese punto, el camino va a ser un poco rocoso; divulgación masiva.

Una vez que empieces a sentirte bien, tanto por tu metodología como por estar frente a la cámara, verás un aumento masivo en el calibre y la consistencia emergiendo de tus sesiones. También hay una buena posibilidad de que te encuentres cada vez más crítico sobre lo que estás creando. Es una paradoja, pero es real. Durante los períodos de desarrollo, a menudo hay estiramientos donde cuanto mejor nos volvemos, más críticos nos volvemos.

Por supuesto, debemos ser honestos y empujarnos a nosotros mismos, pero es demasiado fácil avanzar en uno mismo hacia el agotamiento desapasionado y la ruina creativa. Aquí es donde la inspiración y la ejecución juegan un papel significativo.

Incluso si estás en un estado mental donde eres demasiado crítico contigo mismo, todavía puedes encontrar consuelo en lo que creaste, si efectivamente trajiste una visión a la vida, o emulaste una técnica u obra de arte con algún grado de precisión.

Aunque puede ser un reto, también es esencial comenzar a compartir tus autorretratos lo antes posible. Ya sea en una escala privada con amigos y colegas o en una escala mayor en comunidades seguras, saludables, solidarias y creativas. La retroalimentación no sólo es crucial para el crecimiento, sino para un cambio de perspectiva muy necesario.

Ver tu trabajo, aunque sea parcialmente, a través de los ojos de otro, puede ser una experiencia poderosa y transformadora. Con la práctica, podemos empezar a ver, evaluar e interactuar con nuestro trabajo, usando esa perspectiva externa, según sea necesario.

Evolución: Autenticidad y expresión

Conexión con su núcleo artístico

El arte es, por supuesto, expresión; para ser más exactos, sin importar el medio o el sujeto, creo que es una expresión del yo. Si no estamos verdaderamente conectados a nosotros mismos, si en el camino hemos perdido de vista quiénes somos, de qué estamos hechos y qué es importante para nosotros, entonces nuestro arte está necesariamente limitado por un yo incompleto.

Opino que el autodesarrollo y el desarrollo artístico están inextricablemente conectados. Para abrazar nuestro arte, debemos abrazarnos a nosotros mismos. Así que también debemos amarnos a nosotros mismos, para amar nuestro arte. Ciertamente fue para mí.

Pero es mi experiencia que el arte es un medio a través del cual podemos cultivar una nueva apreciación y creencia en nosotros mismos. Sé que el arte puede sanar. Elijo creer que en su mejor momento, la vida es arte y vida artística. No hay emulación, sólo un todo completo.

Solía pensar que el mayor regalo que me daba la fotografía era la capacidad de conectar con otros y con el mundo; que era un conducto a través del cual podía compartir las historias de quien pisara delante de mi lente. Sé que esas cosas son precisas, sin duda.

Sin embargo, he llegado a darme cuenta de que, para mí, la contribución más significativa de la fotografía a mi existencia, es que me ha empoderado para (re) conectar conmigo mismo. A través de esa conexión, me encuentro mejor capaz de expresar y, así, crear. Es un hermoso bucle de retroalimentación en donde una mano alimenta a la otra. Se siente bien. El auto-retrato ha sido un poderoso conducto para que yo sea, laude, amor, y me abrace; para que yo viva y comparta mi historia.

Si te comprometes a un régimen de crear autorretratos, llámalo un acto transitorio de disciplina creativa, me siento seguro de que te cambiará a ti y a tu arte, de manera profunda.

Lo único más fuerte que la destrucción es la creación. Este es un principio que vivo. Ahora, más que nunca, el mundo necesita arte. Ahora, más que nunca, el mundo necesita artistas. Usted es singularmente único. Tienes algo que ofrecer, a diferencia de cualquier otro. El mundo te necesita y tu arte. Pero, para compartir tu arte, para desencadenar tu expresión, primero debes conectarte a ti mismo-tu ser.

Usted puede. Usted lo hará. Tienes esto.

Consumir. Crear. Experimento. Cada día, o con la mayor frecuencia posible.

Arte: Adquisición de Versus

Experimentar, Para Innovar, Adquirir, Para Solidificar

Los artistas crearán, con lo que tengan a mano. Los técnicos están vinculados a sus herramientas y procedimientos. Cuando la creatividad y el ingenio reinan supremos, hay tanto que se puede hacer con tan poco.

En nuestra forma de arte, en nuestra industria, con demasiada frecuencia, estamos hechos para creer que estamos limitados por los detalles de nuestro kit. Con demasiada frecuencia, se nos hace sentir que la adquisición de bienes es más relevante y esencial que el logro del conocimiento, el refinamiento de la habilidad, y el dominio de la técnica.

La mejor inversión que podemos hacer es en nosotros mismos. El conocimiento y la habilidad no tienen precio. Haz tu oficio, descubre tu voz, conecta con tu artista interior; las herramientas son meramente un medio para un fin. Usted es el creador y el conducto para la expresión. Cualquier otra cosa es simplemente una extensión de usted.

Con ese ser dicho, siempre que sea posible, es ideal seleccionar la herramienta adecuada para el trabajo correcto. Aquí están mis recomendaciones para el floreciente autorretratista:.

Recomendaciones de artes

L-Bracket:3 Cosa de Legado | Universal L-Bracket

Trípode: Tiffen Carbon Fiber Tripod

Iluminación | Strobes: Flashpoint XPLOR 600 HSS | Flashpoint eVOLV 200 

Iluminación | Modificadores: Glow EZ Lock 60 " Octavox | Glow EZ lock 51 " Deep beaded-Silver Umbrella | Reflector de Glow 70 °

Cámara: Kit Sony A7RIV | Paquete Sony A7III

Lentes: Rokinon 45 1,8 AF | Rokinon 85 1,4 AF | Sigma ART 35 1.4

Activadores/aplicaciones: Flashpoint R2 Pro Transmisor | Liberación de obturador inalámbrico de Alzo (si la aplicación no está disponible) | Sony Imaging Edge

Accesorios/accesorios: Herramientas de Tether | Cable de Tehering


Jonny es un editorial|fotógrafo de moda, y educador creativo, con sede en Denver, CO.
En todos los esfuerzos, se esfuerza por empoderar la expresión e impulsar la individualidad.
Página web: www.jonnyedward.com

90 Días De Contenido

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Guest Blog: Cinematic Color Grading in my Backyard

octubre 15, 2020

Color grading can seem like a very daunting task, especially if you aren’t super familiar with it. It will take practice and experimentation to find out what process will work, and what will definitely not work. 

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What is Skin Tone? Post Production for Perfect Skin
What is Skin Tone? Post Production for Perfect Skin

octubre 12, 2020

Editing skin seems like the holy grail of post production for photographers. Everyone wants to talk about how to edit skin in Photoshop, but no one ever talks about what skin actually is, from a visual standpoint. 

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Plugins vs Panels: Which Do You Need?
Plugins vs Paneles: ¿Qué necesitas?

septiembre 30, 2020

Los paneles se basan en acciones que son nativas de Photoshop para editar imágenes, pero Plugins se quedan sin módulos de procesamiento externo y pueden incluir cosas como machine learning que ayudan al Plugin a tomar decisiones sobre cómo crear efectos. Esencialmente, los plugins aprovechan el poder de Photoshop, y lo aumentan con el procesamiento externo, usando algoritmos para marcar en el efecto deseado.

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